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모짜르트의 '피가로'가 슈트트가르트 주립오페라 극장에 다시 공연된다.
 
볼프강 아마데우스 모짜르트의 "피가로의 결혼"이 2010년 4월 14일, 수요일 영국 감독 나이젤 로웨리의 연출로 다시 슈트트가르트 주립극장에 올려졌다. 음악 지휘는 음악총감독인 만프레드 호네크가 맡았다. 후반의 일부 공연은 티모 한트슈가 지휘한다.

이번 공연에서는 배역이 거의 완전히 새로 구성되었다. 그리스 출신 바리톤 아리스 아르기리스(더블 캐스팅: 슈트트가르트 오페라단 소속인 시게오 이시노)이 알마비바 백작역으로 슈트트가르트 무대에 데뷔했다. 수잔나 역할의 임선혜도 새로운 캐스팅이다. 그녀의 곁에는 처음으로 크리스티안 반 호른과 알릭 압두카유모프가 타이틀 역 '피가로'로 연기했다. 체루비노 역의 타야나 라이, 돈 바질리오 역의 미하엘 노박, 돈 쿠르지오 역의 한스 키텔만, 바르바리나 역의 유코 카쿠타와 안토니오 역의 마크 문키트릭도 처음 이 배역을 분했다. 마르첼리나 역의 헬레네 슈나이더만과 바르톨로 역의 카를-프리드리히 뒤어만이 나이젤 로웨리의 각색으로 슈트트가르트 무대에 선 적 있을 뿐이다. 이전에 수자나를 연기했던 오페라 단원인 카트리오나 스미스가 루쓰 지삭과 함께 알마비바 백작부인의 역할을 교대로 연기한다.

새로운 캐스팅 앙상블을 최적화하고 캐릭터들을 섬세하게 표현하기 위해서, 나이젤 로웨리는 2주 반동안 새배우들과 현장에서 다시 한번 호흡을 맞췄다. "일부 배역들은 새 배우들을 통해서 캐릭터의 새로운 면모를 갖게 되었다"고 로웨리가 부재한 동안에 연출의 책임을 대신했던, 조감독 토마스 웨리가 말했다.

"피가로의 결혼"이 유머와 위트가 넘치는 것은 두말할 나위가 없다. . 
 
로웨리 연출의 캐릭터들은 재기 넘치는 감성과 영국식 블랙 유머로 기존의 권력관계에 반기를 든다. 로웨리는 무대 위 소동 속에서도 반복해서 섬세한,그렇지만 씁쓸한 현실의 비극을 비춘다. 작가 로렌조 다 폰테스의 대본에는 도발적이고 혁신적인 사고가 가득 숨어있다: 사회적 위치와 신분의 상승과 하강에 대한 문제가 다뤄지고 있다. 당시 프랑스 혁명(첫공연: 1786년 5월, 빈의 호프씨어터)의 시대 상황을 반영하고 있는 이 주제는 Hartz IV의 시대 오늘날에도 여전히 유효하다.
 
이번 시즌에 바그너 오페라 "파르지팔"도 지휘했던, 음악 총감독 만프레드 호네크는 모짜르트 오페라에 빛을 불어넣었다. 복잡한 이 작품에서 호네크는 다음과 같은 특징을 찾아냈다: "섬세하고 투명한, 공기처럼 가벼운, 아주 자주 빠른 템포로 구성된 곡은 섬세하지만 극적인 전환을 통해 조화를 이루었다." 모짜르트의 모든 음표 하나하나가 호네크에게 있어 소중한 단위 하나하나다. "모짜르트의 피가로의 결혼은 음악적으로 독보적 결정체이다."라고 지휘자는 말한다.

Mozart komponierte 1772, erst 16-jährig, „Lucio Silla" als Auftragswerk für das Mailänder Teatro Regio Ducale auf ein Textbuch von Giovanni de Gamerra. Dessen 

barocke Intrigenwirtschaft lässt Mozart in seiner Musik hinter sich: Todesahnung, Liebessehnsucht, jugendliches Aufbegehren und Trennungsschmerz klingen auf. 

Der jugendliche Komponist dringt zum ersten Mal in neue Bereiche musikalischer Menschendarstellung vor. In „Lucio Silla" hat Mozart sein Lebensthema 

gefunden: Unbedingtheit in der Liebe.In den exorbitant schweren Arien stürzen die Figuren, wie Silke Leopold bemerkt, förmlich dem Tod entgegen. 

Die Regie von Olga Motta betont diesen Aspekt: In ihrer Lesart ist „Lucio Silla" ein »Stück über die große, die unerfüllbare Sehnsucht und über die Leidenschaften, 

welche die Menschen zerreißen und am Ende buchstäblich verbrennen. Und wenn man nicht durch die Liebe erlöst werden kann, dann durch den Tod. Wir erlösen 

uns in der Musik .

Mit dieser Übernahme aus Hannover komplettiert die Staatsoper Stuttgart ihr reiches Mozart-Repertoire und befördert die vorsichtige Renaissance dieses lange Zeit 

vergessenen Frühwerks des Komponisten-Genies. Konrad Junghänel, Leiter des Ensembles Cantus Cölln und auch als Operndirigent international erfolgreich, 

übernimmt die musikalische Leitung dieser Inszenierung.

모짜르트는 1772년, 16세의 나이에, 밀라노 레지오 두깔레 극장의 의뢰를 받아 지오바니 드 가메라의 대본을 바탕으로 '루치오 실라'를 작곡했다. 모짜르트는 바로크식의 기교들은 그의 음악 뒤로 숨겼다: 죽음의 예견, 사랑의 그리움, 젊은이의 저항, 그리고 이별의 아픔이 울려퍼진다. 소년 작곡가는 처음으로 음악을 통한 인간의 표현이라는 새로운 영역에 진입했다. '루치오 실라'에서 모짜르트는 그의 평생의 주제를 찾게 되었다: 무조건적인 사랑. 실케 레오폴트가 지적했듯이, 굉장히 무거운 아리아 속에 등장인물들은 죽음에 맞서 일어선다. 

감독 올가 모타는 이점을 강조했다: 그녀가 보기에 '루치오 실라'는 거대한, 결코 채워질 수 없는 열망과 열정에 관한 작품이다. 열망과 열정은 인간을 갈기갈기 찢어놓고, 종국에는 말그대로 불살라버린다. 사랑의 굴레에서 벗어날 수 없다면, 죽음으로부터는 자유로울 수 있다. 우리는 음악 속에 녹아든다.

하노버(에서 각색된) 공연을 넘겨받음으로써, 슈트트가르트 오페라단은 풍성한 모짜르트 레퍼토리를 완성하고, 천재 작곡가의 오랫동안 잊혀전던, 신중했던 초기 르네상스 작품을 지원하게 되었다. 칸투스 쾰른 앙상블의 지휘자이자, 세계적으로 성공적인 오페라 지휘자인 콘라트 융헨엘이 이 각색의 음악 지휘를 맡는다. 

Im vergangenen Festival-Sommer hatte Alfred Brendel, der umsichtige Nestor der Klaviervirtuosen, das Publikum mit seiner beispielhaften Lesart der Trias 

Haydn - Mozart - Schubert begeistert. Nun Komplettiert er den Kanon der Wiener Klassiker durch den diesjährigen Bonner Jahresregenten Ludwig van 

Beethoven. 

Wie kaum einer kennt und interpretiert Alfred Brendel die Klavierlitratur über vier Jahrhunderte von Bach bis Schönberg. Der 1931 geborene Pianist entstammt 

einer österreichisch-deutsch-italienischen-slawenischen Familie.  Er studierte Klavier, Komposition und Dirigieren in Zagreb und Graz und begann seine 

internationale Karriere mit einem Preis beim Busoni-Wettbewerb 1949. Regelmäßig ist Alfred Brendel seither Gast in den Konzertsälen von New York, London, 

Paris, Wien, Berlin und Tokyo sowie der führenden europäischen und amerikanischen Orchester. In den letzten Jahren gehörten Mozarts Sonaten und 

Beethovens Cellowerk(mit seinem Sohn Adrian) zu Brendels Repertoire in Konzerten und Aufnahmen, ebenso Schuberts 'Winterreise' und 'Schwanengesang' 

mit Matthias Görne. Auch als Schriftsteller hat sich Alfred Brendel einen Namen gemacht. Seine musikalischen Essays sind bei Piper, seine oft verschmitzten 

und wunderbar skurrilen Gedichte bei Hanser erschienen. Alfred Brendel ist Ehrendoktor unter anderem an den Universitäten von London, Oxford und Yale. Er 

ist Ehrenmitglied der Wiener Philharmoniker und Träger der Hans von Bülow-Medaillee der Berlinder Philharmoiker. Im Har 2002 wurde ihm der Leonie-Sonnig-

Preis, 2004 der Ernst von Siemens Musikpreis verliehen. Zudem ist der Künstler seit 2006 Preisträger des Klavier-Festivals Ruhr. 

지난 페스티벌에서 피아노계의 현자이자, 원로 거장 알프레드 브렌델은 하이든, 모짜르트, 슈베르트를 정석으로 해석하여 관객들을 감동시켰다. 올해 그는 이번 페스티벌의 마이스터인 본 출신의 거장 베토벤을 포함시켜 비엔나 클래식의 캐논을 완성한다. 

알프레드 브렌들은 바흐부터 쉔베르크까지 4세기에 걸친 '피아노 문학'을 이해하고 해석하는 몇 안되는 피아니스트 중 한명이다. 1931년 생인 이 피아니스트는 오스트리아계-독일계-이탈리아계-슬로베니아계 가정에서 자랐다. 그는 짜그렙과 그라쯔에서 피아노와 작곡과 지휘를 공부하였고, 1949년 부조니 콩쿨에서 수상하면서 국제적 경력을 쌓기 시작했다. 그 이후로 그는 뉴욕, 런던, 파리, 베를린, 도쿄 등지의 콘서트 홀에서 유럽과 미국의 유명 오케스트라와 정기적으로 협연을 해오고 있다. 최근에는 모짜르트의 소나타와 첼리스트인 그의 아들 아드리안과 협연하는 베토벤 첼로곡들이 콘서트와 공연에서의 주레퍼토리다. 마티아스 괴르네와 슈베르트의 '겨울나그네'와 '백조의 노래'도 자주 공연하고 있다. 그는 한편 작가로도 꽤 유명한데, Piper 출판사에서 음악 에세이들을, Hanser 출판사에서 위트 넘치는 시들을 발간하기도 했다. 알프레드는 런던, 옥스포드 예일 등의 대학의 명예교수이고, 동시에 빈필의 명예회원이며 베를린 필의 한스 폰 뷜로우 메달의 수상자이다. 2002년에는 레오니-조니히 상을, 2004년에는 에른스트 본 지멘스 음악상을 수상했다. 2006년 이후로 '루르 피아노 페스티벌'의 연속 수상자이기도 하다. 

[#M_HAYDN|haydn|

Joseph Haydn, väterlicher Freund und Bewunderer Wolfgang Amadeus Mozarts, Lehrer und Mentor Ludwig van Beethovens sowie später zunächst Franz Schubert 

ein Vorbild, adelte durch seine zahlreiche Klaviersonaten dieses Genre mit einer Vollendung in Form und musikalischen Gehalt. Es brachte damit fas zum 

Abschluss, wovon aus seine Nachfahren dann zu neuen Ufern auf- und ausbrechen sollten. Im Jahr 1780 publizierte Haydn eine sechs Sonaten umfassende 

Sammlung, die den Schwestern Auenbrugger gewidmet war, Töchtern eines renommierten Wiener Arztes und Wissenschaftlers, deren Spiel wie Urteil er 

außerordentlich schätzte. Von den sechs Werken nimmt die c-Moll Sonate eine Sonderstellung ein, da sie bereits 1771 entstanden sein dürfte und mit ihr Haydns 

Sturm-und-Drang-Phase auszuklingt. Bisweilen durchflutet von expressiver Klanglichkeit tritt die Klassizität der Form in den Hintergrund. Haydn spielt mit fast 

orchestralen Effekten und nimmt sich die Freiheit, im Finale das Rondo vom Sonatensatz zu überlagern.

요셉 하이든, 볼프강 아마데우스 모짜르트 아버지의 친구이자 그의 재능을 알아본 사람, 루드비히 반 베토벤의 스승이자 멘토, 그리고 이후에는 프란쯔 슈베르트의 우상.

하이든은 그의 수많은 피아노 소나타를 통해 이 장르의 음악적 형식과 수준을 완성했다. 그로 인해, 그의 후예들은 새로운 분야를 개척해야만 했다. 1780년 하이든은 빈의 유명한 의사이자 학자인 아우엔부르거의 딸들을 위한 6개의 소나타 모음집을 발표했다. (당시의) 평은 물론이고 그 스스로도 이 곡들의 연주를 특별하게 여겼다. 여섯곡들 중에서 C단조 소나타는 특별한 의미를 지닌다. 이 곡은 1771년에 이미 작곡된 곡일 수도 있고, 하이든의 질풍노도시기를 엿볼수 있기 때문이다. Bisweilen durchflutet von expressiver Klanglichkeit tritt die Klassizität der Form in den Hintergrund. 하이든은 거의 오케스트라와 같은 효과로 연주하고, 자유롭게 소나타 마지막 악장에 론도를 사용했다. 

Freiheiten hatten sich Ludwig van Beethoven grundsätzlich immer herausgenommen. Seine drei Sätze umfassende As-Dur Sonate op.110 ist dabei Ausdruck 

radikaler Subjektivität-und gleichzeitig doch eine Auseinandersetzung mit der strengsten aller Formen, der Fuge. Als mittlere der unmittelbar aufeinander 

folgenden(teilweise gleichzeitig zur Zeit der Missa solemnis im Jahr 1882 entstandenen) drei letzten Sonaten, erklingt dieses klagende und die Klage doch 

überwindende Werk wie ein Nachhören von Vergangenem und Voraustönen von Zukünftigem. Privat schmerzten den Komponisten rheumatisches Fieber und die 

Gelbsucht, und es ist vermutet worden, dass die Vermerke "perdendo le forze, dolente" und "poi a poi di nuovo vivente" in Aioso und Fuge biografische 

Spiegelungen sein mochten. Alle drei Sätze zusammen lassen auch an einen fragmentierten, doch einzigen denken, ist doch auch das Subjekt der Fuge der 

Eröffnung des ersten Satzes entnommen; und hat man doch den Eindruck, von Anfang bis Ende einen Weg bis ans sein Ziel gegangen zu sein.

베토벤에게 있어서 자유는 항상 근본적으로 배제되었다. 3악장으로 구성된 그의 As장조 소나타, op.110번은 극단적인 주관성을 표현하기도 하지만, 동시에 가장 엄격한 형식인 푸가를 구현하고 있기도 하다. 연달아 작곡된 (부분적으로 1882년 Missa solemnis와 같은 시기에 작곡된) 마지막 세 소나타 중 가운데 곡으로서, 탄식과 비탄하는 듯한 울림은  지난 시대의 여운 같기도 하고, 미래의  소리를 미리 듣는 것같은 느낌을 던지는 압도적인 작품이 되었다. 베토벤은 류마티스성 열병과 황달을 앓았는데, Arioso와 푸가에 쓰여진 "perdendo le forze, dolente" , "poi a poi di nuovo vivente" 같은 문구들은 작가의 삶을 투영한 것일 지도 모른다. 세 악장은 완성된 하나이지만 동시에 각각으로 나눌 수도 있다. 그렇지만 여기서 기억해야 할 한가지는 푸가의 주제가 첫악장의 초반부에서는 제거되었다는 점이다. 그리고 처음부터 끝까지 한 길로 목표지점을 향해 나아갔다는 인상을 남긴다.

An einem Ziel ist Franz Schubert, der ewige Wanderer unter den Komponisten, nie angekommen. Seine vier Impromptus D 935 werden zusammen immer wieder 

als Quasi-Sonate angesehen. Dennoch bleibt jedes von ihnen ein eigenständiges Klavierstück. Das erste in f-Moll ist von fast sinfonischer Gestalt und gilt als 

Meisterwerk der Schubertschen Spätzeit. Das dritte in B-Dur stellt ein bekanntes Thema aus Schuberts Rosamunde fantasiereich in immer weider neuen 

Variationen dar.

작곡자로서 영원한 방랑자인, 프란쯔 슈베르트는 단 한번도 종착점에 도착하지 않았다. 그의 4개의  Impromptus D 935는 항상 '사실상 소나타'로 간주된다. 그럼에도 불구하고 각각의 곡들은 독립된 피아노곡으로 존재하기도 한다. 첫번째곡 f 단조는 거의 심포니와 같은 형태를 띠고, 후기 슈베르트 작품의 최고작중 하나로 뽑힌다. 세번째 곡 B 장조는 슈베르트의 '로자문데'의 주제를 풍성하게 반복되는 다양한 변주로 그린다.