평론가들은 웅장한 음악에 비해 "어...끝났네" 식으로 흐지부지 스토리가 빈약하다고 하지만...
무어...나는 도대체 어디서 스토리가 빈약하다는 건지 잘 모르겠고...
단 하나 피아노 건반을 누르는 베토벤의 손이 너무너무 투박해서 살짝 거슬렸던 것을 빼고는
무심한 듯 지나치는 한컷에서도 느껴지는 여성 감독 특유의 섬세함이 너무 좋았다...
(베토벤과 안나 사이에 대화...어디를 응시해야 할지 어쩔줄 모르는 그 불안한 시선들...안나의 심리...)
그냥 음악 하나만으로 내게는 충분한 영화...
아... 9번 교향곡 초연....
지휘를 마친 베토벤의 눈빛....
베토벤 곡들을 섬세한 화면과 함께 만나는 기쁨...
그리고 평생 모르고 지나쳤을 지도 모를 곡들 쉽게 만나기...
베토벤 후기곡인 디아벨리 변주곡을 들으며 벌써 어렵다...했었으니...
아마 그냥 현악 4중주 대푸가를 들었더라면 금세 조용히 stop을 눌렀으리라...
내게 언제나 'The Rock' 속 고지식한 대령으로만 기억되어 있던 에드 해리스...
처음 베토벤??? 하며 내심 못마땅해했었는데...의외로 잘 어울렸다...
다이앤 크루거...처음 "트로이"에 헬레나로 나온 그녀를 보며...뭐야...경국지색은 아니구먼...했었는데...
보면 볼수록...미국 여배우들과는 확실히 다른 유럽 출신 배우 특유의 기품이 엿보인다...
'National treasure'에선 니콜라스 케이지가 그녀의 발음을 듣고 독일 혈통임을 알아차리는 장면이 있었는데...
영어가 짧은 나는 그녀의 발음에서 딱히 꼬집어 독일어 악센트를 별로 못 느끼겠는데...했다...
하지만 빈을 배경으로한 영어 영화속 그녀가 독일 이름들 Schlemmer와 Anna Holz를 발음하는 순간....
그 짧은 순간...아...그녀 확실히 제대로 된 독일어 악센트로 발음하는구나 했다...
그녀가 발음하는 Anna Holz와 꼭 영화 내내 안나의 풀네임을 부르던 에드 해리스의 Anna Holz는 분명히 달랐다...
감독이 동구권 출신이라는 걸 알고 봐서인지...
영화 초반...안나가 지나치는 들판의 풍경이 꼭 독일이나 오스트리아 풍경 같지가 않고...
동구권 보헤미안의 느낌을 받는다...
모라비아가 그렇지 않을까 상상한다...모라비아...모라비아...
영화를 진작 알았더라면...
제대로 된 음향시설 하에...극장에서 2번이라도 봤을텐데...
독일에서는 진작에 개봉했었더랜다...아쉬움 300%
극장에서 봤어야할 영화...극장에서 보았더라면 훨씬 더 좋았을 영화...
대신 나중에 베토벤 9번 교향곡을 레퍼토리로 연주하는 콘서트는 꼭 가볼 수 있을 것 같다...
의지가 생겼으니...
<카핑 베토벤>의 주인공으로, 베토벤의 말년을 함께한 악보 필사가이자 작곡가 지망생 안나 홀츠는 명백한 가상의 인물. 처음으로 베토벤의 악보를 필사한 그녀는, 어째서 멋대로 바꾸어 필사했냐고 묻는 베토벤에게 말한다. “바꾼(change) 것이 아니라 고친(correct) 것”이라고. 아그네츠카 홀랜드는 대선배의 명성에 짓눌리지 않고 그의 세계를 이해하려고 노력했던 안나 홀츠처럼 이 영화를 완성했다. 이런 삶을 살았다면 그의 말년도 조금은 행복했으리라는 가정은, 베토벤의 음악 세계를 좀더 잘 드러내는 훌륭한 도구다. 폴란드에서 태어나 체코에서 영화를 공부한 홀랜드는 <세 가지색 블루> <세 가지색 화이트> <당통> 등 크지슈토프 키에슬로프스키, 안제이 바이다 등의 영화에 각본가로 참가했다(<카핑 베토벤> 속 안나와 베토벤의 관계에 자신과 안제이 바이다의 애증어린 사제지간이 암시된다). 살기 위해 나치가 된 유대인 소년이 주인공인 <유로파 유로파>로 예술적 능력을 인정받은 그는 <비밀의 화원> <토탈 이클립스> 등을 만들며 할리우드에 안착했다. 홀랜드의 영화에는 남성들의 세계에서 누구나 납득할 수 있는 여성성을 이야기하려는 조심성이 배어 있다. 강인한 내면을 지닌 여성이 주인공이거나, 남성성이 지배하는 사회에 대한 비판이 드러난다. 오는 10월11일 한국 개봉을 앞둔 <카핑 베토벤>에 대한 질문을 서면으로 보냈다. 칼 같이 돌아온 답변에선 인물과 영화에 대한 애정과 함께, 온전히 자신의 능력으로 정글에서 살아남은 여성의 여유가 느껴졌다.
-영화에서 가장 중요한 장면은 <합창교향곡>의 초연장면이다. 전곡이 너무 길어 모두 담을 수 없었을 테니 어떤 부분을 택할 것인가는 중요한 문제가 아니었을까.
=교향곡 전체를 사용하는 것은 경제적인 이유뿐 아니라 음악적인 면에서 불가능했다. 가장 완벽하면서도 감정적으로 존경하게 만들 수 있는 편집을 생각했다. 전곡을 들은 것 같은 느낌과 함께 영혼과 귀로 이 음악을 처음 듣는 듯한 느낌을 주고 싶었다. 가장 유명한 4악장 외에도 아름다운 3악장을 사용했는데, 3악장은 베토벤이 숲속을 거니는 장면에서도 나온다. 또한 이 장면의 컨셉을 잡을 때는 스토리보드 아티스트이자 B팀 연출을 맡은 나의 딸 카시아 애더믹과 함께했다. 그 장면에 풍부한 감성이 실리고, 일종의 러브신과 같은 느낌이 나길 바랐다. 관객이 거기서 눈물을 흘린다면 슬퍼서가 아니라 그 광경이 너무나 아름답기 때문이다. 카메라의 동선, 빛의 움직임, 편집 등 매우 서정적인 분할이 필요했다. 3일밖에 없었기 때문에 600대의 카메라를 동원했다. 배우들은 수개월 동안 지휘법을 배웠고, 에드 해리스는 9번 교향곡을 악보없이 오케스트라 지휘가 가능한 수준에 이르렀다.
-베토벤의 일생 중에서 <합창교향곡>부터 임종까지를 다룬 이유는 무엇인가.
=<합창교향곡>으로 대대적인 성공을 거둔 직후, 죽기 직전에 베토벤이 만든 현악 4중주 <대푸가>는 엄청난 실패를 기록했는데, 그 대조는 매우 드라마틱하다. 실제로 나는 베토벤의 마지막 현악 4중주를 무척 좋아하는데, 그곡은 베토벤의 음악 중에서도 어렵고도 아름답다. 9번 교향곡의 성공 뒤에 베토벤은 매우 원초적이고 위험한 어둠의 영역을 탐험한 것 같다. 그는 최초의 진정한 낭만주의 예술가였다.
-영화 곳곳에 포진한 베토벤의 기행에 대한 묘사가 흥미롭다. 실제에서 착안한 디테일인가.
=베토벤은 기행, 공격성, 심지어는 폭력적인 성향으로 유명하고 이에 대한 기록도 많다. 그런 표면 속에 감춰진 예술가 베토벤의 위대함과 아름다움을 보여주고 싶었다. 그가 청각장애를 앓으면서 지휘에 임했던 것도 사실이고, 당시 오케스트라는 베토벤이 지휘대에 서 있더라도 다른 지휘자를 따라야 했다. 그리고 9번 교향곡 초연 이후 환호를 듣지 못하는 베토벤을 돌려서 관객을 바라보게 한 것은 실제로 여성 성악가였다.
-애초 안나는 베토벤의 마지막 현악 4중주를 이해하지 못한다. 그녀는 베토벤의 진정한 솔메이트가 아니었던 건가.
=안나가 마차를 타고 베토벤에게 갈 때 그 곡이 그녀의 머릿속에 연주되는 첫 번째 시퀀스는 안나가 베토벤의 임종을 앞두고 비로소 그 곡을 이해했음을 보여준다. 그 곡은 극단적으로 어려워서, 심지어 오늘날의 사람들도 그 곡이 베토벤의 광기에서 비롯됐다고 생각할 정도다. 반면 안나는 천재가 아니고, <대푸가>의 복잡성을 이해하기 위해 최선을 다해야만 했다. 관객 역시 안나를 매개로 하여, 푸가를 좀더 이해할 수 있기를 바랐다.
-베토벤의 말년에, 안나 홀츠와 같은 여성은 아니어도 그에 버금가는 솔메이트가 존재했다는 기록이 있나.
=베토벤에게도 그를 이해하고 음악을 후원하는 몇몇 친구와 제자가 있었다. 13살의 감성이 풍부한 소년부터 여성 제자도 있었다. 많은 사람들이 그의 외로움을 어루만지려 노력하며 그의 음악을 후대에 전하려했다. <카핑 베토벤>의 안나 홀츠는 각본가와 내가 베토벤에게 선사하는 일종의 선물이다.
-베토벤을 다룬 또 다른 영화 <불멸의 연인>, 우리에게 가장 익숙한 천재작곡가 영화 <아마데우스> 등과 구분되는 <카핑 베토벤>의 가장 큰 특징이 무엇인가.
=<불멸의 연인>은 베토벤의 사랑을 그리는 데 치중한 영화로 그 접근방식을 그리 좋아하지 않는다. 나는 음악이 영화의 주인공이 되기를 바랐다. 우리끼리의 농담으로, 영화의 주인공은 안나와 베토벤, 그리고 9번 교향곡과 <대푸가>라고 말하곤 했다. <아마데우스>는 내가 영화를 공부한 체코 출신 감독 밀로스 포먼이 연출했고 나는 그의 감수성, 재능, 유머, 에너지를 좋아한다. 그러나 그 영화 역시 음악보다는 범인과 천재 사이의 질투에 대한 영화라고 봐야 한다. 물론 범인과 천재의 대비는 <카핑 베토벤>에도 있지만, 여기서는 매우 다른 방식으로 묘사된다.
-한동안 즈비그뉴 프라이스너 음악감독과 함께했다. <카핑 베토벤>의 음악은 누가, 어떤 식으로 맡았나.
=파리의 평론가 출신인 피오트르 카민스키가 음악 컨설턴트였고 따로 음악감독은 없었다. 그는 극중에서 안나가 만드는 곡을 작곡했다. 9번 교향곡을 작곡하는 역순으로 분해한 또 다른 사람이 있었다. 대부분의 음악은 각본 단계부터 정해져 있었다. 나는 기본적으로 영화 속 모든 음악은 베토벤의 음악이어야 한다고 생각했고, 여러 다른 버전의 앨범을 들어봤다. 7번과 9번 교향곡을 제외하면 현악 4중주와 솔로 피아노곡을 사용하고 싶었다.
-<카핑 베토벤>은 예술사 전반에 팽배한 남성성에 대한 영화이기도 하다.
=유명한 여성 예술가가 되는 건 (남자에 비해) 항상 어려운 일이었다. 음악을 비롯해서 여러 예술분야는 아직도 남성들의 세계다. 성공하기 위해 우리 여성들은 좀더 강하고 훌륭해져야 한다. 19세기 문학에서는 브론테 자매, 제인 오스틴 등 꽤 많은 위대한 작가가 탄생했지만, 그에 비할 만한 작곡가를 찾는 것은 어려운 일이다. 이 영화를 만들 때 안나의 캐릭터는 그녀와 같은 해에 태어난 프랑스 여류작곡가에게서 영감을 얻었다.
-여성감독으로서 본인의 이야기가 반영됐을 것 같다.
=감독 역시 여자가 성공하기란 남자보다 훨씬 어렵다. 안나의 캐릭터에 나의 포부와 의구심, 두려움 등을 담으려 했다. 베토벤을 향한 안나의 열망은 전세대 위대한 감독들에 대한 나의 열망을 보여준다. 안나의 공격적인 자아는 나의 그것과 다르지 않다. 나는 진심으로 여성의 리더십이 세계의 미래를 좌우할 것이라 믿는다.
Im vergangenen Festival-Sommer hatte Alfred Brendel, der umsichtige Nestor der Klaviervirtuosen, das Publikum mit seiner beispielhaften Lesart der Trias
Haydn - Mozart - Schubert begeistert. Nun Komplettiert er den Kanon der Wiener Klassiker durch den diesjährigen Bonner Jahresregenten Ludwig van
Beethoven.
Wie kaum einer kennt und interpretiert Alfred Brendel die Klavierlitratur über vier Jahrhunderte von Bach bis Schönberg. Der 1931 geborene Pianist entstammt
einer österreichisch-deutsch-italienischen-slawenischen Familie. Er studierte Klavier, Komposition und Dirigieren in Zagreb und Graz und begann seine
internationale Karriere mit einem Preis beim Busoni-Wettbewerb 1949. Regelmäßig ist Alfred Brendel seither Gast in den Konzertsälen von New York, London,
Paris, Wien, Berlin und Tokyo sowie der führenden europäischen und amerikanischen Orchester. In den letzten Jahren gehörten Mozarts Sonaten und
Beethovens Cellowerk(mit seinem Sohn Adrian) zu Brendels Repertoire in Konzerten und Aufnahmen, ebenso Schuberts 'Winterreise' und 'Schwanengesang'
mit Matthias Görne. Auch als Schriftsteller hat sich Alfred Brendel einen Namen gemacht. Seine musikalischen Essays sind bei Piper, seine oft verschmitzten
und wunderbar skurrilen Gedichte bei Hanser erschienen. Alfred Brendel ist Ehrendoktor unter anderem an den Universitäten von London, Oxford und Yale. Er
ist Ehrenmitglied der Wiener Philharmoniker und Träger der Hans von Bülow-Medaillee der Berlinder Philharmoiker. Im Har 2002 wurde ihm der Leonie-Sonnig-
Preis, 2004 der Ernst von Siemens Musikpreis verliehen. Zudem ist der Künstler seit 2006 Preisträger des Klavier-Festivals Ruhr.
지난 페스티벌에서 피아노계의 현자이자, 원로 거장 알프레드 브렌델은 하이든, 모짜르트, 슈베르트를 정석으로 해석하여 관객들을 감동시켰다. 올해 그는 이번 페스티벌의 마이스터인 본 출신의 거장 베토벤을 포함시켜 비엔나 클래식의 캐논을 완성한다.
알프레드 브렌들은 바흐부터 쉔베르크까지 4세기에 걸친 '피아노 문학'을 이해하고 해석하는 몇 안되는 피아니스트 중 한명이다. 1931년 생인 이 피아니스트는 오스트리아계-독일계-이탈리아계-슬로베니아계 가정에서 자랐다. 그는 짜그렙과 그라쯔에서 피아노와 작곡과 지휘를 공부하였고, 1949년 부조니 콩쿨에서 수상하면서 국제적 경력을 쌓기 시작했다. 그 이후로 그는 뉴욕, 런던, 파리, 베를린, 도쿄 등지의 콘서트 홀에서 유럽과 미국의 유명 오케스트라와 정기적으로 협연을 해오고 있다. 최근에는 모짜르트의 소나타와 첼리스트인 그의 아들 아드리안과 협연하는 베토벤 첼로곡들이 콘서트와 공연에서의 주레퍼토리다. 마티아스 괴르네와 슈베르트의 '겨울나그네'와 '백조의 노래'도 자주 공연하고 있다. 그는 한편 작가로도 꽤 유명한데, Piper 출판사에서 음악 에세이들을, Hanser 출판사에서 위트 넘치는 시들을 발간하기도 했다. 알프레드는 런던, 옥스포드 예일 등의 대학의 명예교수이고, 동시에 빈필의 명예회원이며 베를린 필의 한스 폰 뷜로우 메달의 수상자이다. 2002년에는 레오니-조니히 상을, 2004년에는 에른스트 본 지멘스 음악상을 수상했다. 2006년 이후로 '루르 피아노 페스티벌'의 연속 수상자이기도 하다.
[#M_HAYDN|haydn|
Joseph Haydn, väterlicher Freund und Bewunderer Wolfgang Amadeus Mozarts, Lehrer und Mentor Ludwig van Beethovens sowie später zunächst Franz Schubert
ein Vorbild, adelte durch seine zahlreiche Klaviersonaten dieses Genre mit einer Vollendung in Form und musikalischen Gehalt. Es brachte damit fas zum
Abschluss, wovon aus seine Nachfahren dann zu neuen Ufern auf- und ausbrechen sollten. Im Jahr 1780 publizierte Haydn eine sechs Sonaten umfassende
Sammlung, die den Schwestern Auenbrugger gewidmet war, Töchtern eines renommierten Wiener Arztes und Wissenschaftlers, deren Spiel wie Urteil er
außerordentlich schätzte. Von den sechs Werken nimmt die c-Moll Sonate eine Sonderstellung ein, da sie bereits 1771 entstanden sein dürfte und mit ihr Haydns
Sturm-und-Drang-Phase auszuklingt. Bisweilen durchflutet von expressiver Klanglichkeit tritt die Klassizität der Form in den Hintergrund. Haydn spielt mit fast
orchestralen Effekten und nimmt sich die Freiheit, im Finale das Rondo vom Sonatensatz zu überlagern.
요셉 하이든, 볼프강 아마데우스 모짜르트 아버지의 친구이자 그의 재능을 알아본 사람, 루드비히 반 베토벤의 스승이자 멘토, 그리고 이후에는 프란쯔 슈베르트의 우상.
하이든은 그의 수많은 피아노 소나타를 통해 이 장르의 음악적 형식과 수준을 완성했다. 그로 인해, 그의 후예들은 새로운 분야를 개척해야만 했다. 1780년 하이든은 빈의 유명한 의사이자 학자인 아우엔부르거의 딸들을 위한 6개의 소나타 모음집을 발표했다. (당시의) 평은 물론이고 그 스스로도 이 곡들의 연주를 특별하게 여겼다. 여섯곡들 중에서 C단조 소나타는 특별한 의미를 지닌다. 이 곡은 1771년에 이미 작곡된 곡일 수도 있고, 하이든의 질풍노도시기를 엿볼수 있기 때문이다. Bisweilen durchflutet von expressiver Klanglichkeit tritt die Klassizität der Form in den Hintergrund. 하이든은 거의 오케스트라와 같은 효과로 연주하고, 자유롭게 소나타 마지막 악장에 론도를 사용했다.
Freiheiten hatten sich Ludwig van Beethoven grundsätzlich immer herausgenommen. Seine drei Sätze umfassende As-Dur Sonate op.110 ist dabei Ausdruck
radikaler Subjektivität-und gleichzeitig doch eine Auseinandersetzung mit der strengsten aller Formen, der Fuge. Als mittlere der unmittelbar aufeinander
folgenden(teilweise gleichzeitig zur Zeit der Missa solemnis im Jahr 1882 entstandenen) drei letzten Sonaten, erklingt dieses klagende und die Klage doch
überwindende Werk wie ein Nachhören von Vergangenem und Voraustönen von Zukünftigem. Privat schmerzten den Komponisten rheumatisches Fieber und die
Gelbsucht, und es ist vermutet worden, dass die Vermerke "perdendo le forze, dolente" und "poi a poi di nuovo vivente" in Aioso und Fuge biografische
Spiegelungen sein mochten. Alle drei Sätze zusammen lassen auch an einen fragmentierten, doch einzigen denken, ist doch auch das Subjekt der Fuge der
Eröffnung des ersten Satzes entnommen; und hat man doch den Eindruck, von Anfang bis Ende einen Weg bis ans sein Ziel gegangen zu sein.
베토벤에게 있어서 자유는 항상 근본적으로 배제되었다. 3악장으로 구성된 그의 As장조 소나타, op.110번은 극단적인 주관성을 표현하기도 하지만, 동시에 가장 엄격한 형식인 푸가를 구현하고 있기도 하다. 연달아 작곡된 (부분적으로 1882년 Missa solemnis와 같은 시기에 작곡된) 마지막 세 소나타 중 가운데 곡으로서, 탄식과 비탄하는 듯한 울림은 지난 시대의 여운 같기도 하고, 미래의 소리를 미리 듣는 것같은 느낌을 던지는 압도적인 작품이 되었다. 베토벤은 류마티스성 열병과 황달을 앓았는데, Arioso와 푸가에 쓰여진 "perdendo le forze, dolente" , "poi a poi di nuovo vivente" 같은 문구들은 작가의 삶을 투영한 것일 지도 모른다. 세 악장은 완성된 하나이지만 동시에 각각으로 나눌 수도 있다. 그렇지만 여기서 기억해야 할 한가지는 푸가의 주제가 첫악장의 초반부에서는 제거되었다는 점이다. 그리고 처음부터 끝까지 한 길로 목표지점을 향해 나아갔다는 인상을 남긴다.
An einem Ziel ist Franz Schubert, der ewige Wanderer unter den Komponisten, nie angekommen. Seine vier Impromptus D 935 werden zusammen immer wieder
als Quasi-Sonate angesehen. Dennoch bleibt jedes von ihnen ein eigenständiges Klavierstück. Das erste in f-Moll ist von fast sinfonischer Gestalt und gilt als
Meisterwerk der Schubertschen Spätzeit. Das dritte in B-Dur stellt ein bekanntes Thema aus Schuberts Rosamunde fantasiereich in immer weider neuen
Variationen dar.
작곡자로서 영원한 방랑자인, 프란쯔 슈베르트는 단 한번도 종착점에 도착하지 않았다. 그의 4개의 Impromptus D 935는 항상 '사실상 소나타'로 간주된다. 그럼에도 불구하고 각각의 곡들은 독립된 피아노곡으로 존재하기도 한다. 첫번째곡 f 단조는 거의 심포니와 같은 형태를 띠고, 후기 슈베르트 작품의 최고작중 하나로 뽑힌다. 세번째 곡 B 장조는 슈베르트의 '로자문데'의 주제를 풍성하게 반복되는 다양한 변주로 그린다.
