Dass Demis Volpi eines Tages gute Chancen auf die Position eines Hauschoreografen beim Stuttgarter Ballett haben könnte, hat man gemutmaßt. Wie schnell
und prompt er es dann aber wirklich wurde, hat überrascht. Die Stelle war ja nach dem Wechsel des alten Hauschoreografen Christian Spuck zum Zürcher Ballett
erst seit Beginn der Saison vakant. Die entsprechende Ernennung des Gruppentänzers Demis Volpi zum Hauschoreografen unmittelbar nach einer Premiere, vor
allem aber diese Premiere selbst, also die Uraufführung von „Krabat“ im März, sind zweifellos die beiden bemerkenswertesten Ereignisse der zu Ende gehenden
Stuttgarter Ballettsaison.
In „Krabat“, seinem ersten abendfüllenden Handlungsballett, übersetzt Volpi das bekannte Jugendbuch von Otfried Preußler über den Kampf eines jungen Müller-
gesellen gegen die Schwarze Magie mit so souveräner Hand in Tanz, in der Anmutung ebenso spannend, unterhaltsam wie zeitgenössisch, dass ihm weitere
große Aufgaben ohne Bedenken anzuvertrauen sind. Ein paar Schwachstellen hinsichtlich der Choreografie gibt es zwar. Aber als Gesamtinszenierung überzeugt
Volpis „Krabat“ ohne Wenn und Aber. Und, was besonders schätzenswert ist: der Choreograf kann mittels des Tanzes glaubhafte Charaktere entwickeln. Die
wunderbare Gestaltung der Titelrolle für David Moore (der sich mit seiner Interpretation die Beförderung zum Solisten ertanzte) ist der Beweis hierfür.
Über dieses prägende Geschehnis der zweiten Spielzeithälfte ist beinahe – und zu Unrecht – in den Hintergrund geraten, dass ja auch der zweite Hauschoreograf
Marco Goecke ein abendfüllendes neues Werk entwickelt hat. Sicher,„Dancer in the Dark“ nach dem Film von Lars von Trier, war eine Koproduktion des Stuttgarter
Balletts mit der Schauspielsparte. Deswegen hat die Uraufführung dieser tragischen Geschichte um die erblindende Fabrikarbeiterin Selma mit den Mitteln von
Tanz und Theater mehrere verdienstvolle Schöpfer.
Uraufführungen und Evergreens im bunten Mix
Der Theaterregisseur Christian Brey führte Regie, Goecke musste krankheitsbedingt während der Proben einen Teil der choreografischen Arbeit an Louis Stiens
abgegeben. Aber Goeckes Handschrift prägt das Stück markant, auch wenn der Tanz hier die Charakterisierung der von den Schauspielern dargestellten Figuren
lediglich unterstützt. Die Partie des Sohnes Gene ist allerdings als reine Tanzrolle angelegt, und wie das Choreografenduo diese Figur gezeichnet hat, gibt dem
Stück eine besondere und tanzgenuine Note. Zumal sich Gene alias Alessandro Giaquinto, noch Student an der John Cranko Schule, als veritable Entdeckung
entpuppt hat. Im Übrigen präsentierte sich Louis Stiens hier als vielversprechender Jungchoreograf – und damit als weiteres Talent aus der Schmiede des
Stuttgarter Balletts. Die scheint weiter unerschöpflich.
Der Intendant Reid Anderson strickt die Grundkonzeption seiner Spielpläne immer nach dem gleichen Muster: Zu den Novitäten gesellt sich ein bunter Mix aus
dem Repertoire. Warum sollte er an dem bewährten Rezept auch etwas ändern? Das Reservoir an Stücken ist in Stuttgart so breit gefächert und künstlerisch
hochwertig, die gemischten Programme sind so interessant zusammengestellt, dass man auch Bekanntes immer wieder gerne und neu sieht.
So bot der Ballettabend „Tanz//Töne“ im Zeichen des Zusammenwirkens von Tanz und Musik einen ausgesprochen reizvollen Blick auf Edward Clugs „Ssss . . .“,
„Slice to Sharp“ von Jorma Elo und Maurice Béjarts „Bolero“. Der Titel „Meisterwerke“ mit Georges Balanchines „Vier Temperamenten“, „Dances at a Gathering“ von
Jerome Robbins und Glen Tetleys „Sacre du Printemps“ war in Anbetracht dieser modernen Klassiker keineswegs zu vollmundig gewählt. Im Fall von „Othello“
steigerte der zeitliche Abstand von fünf Jahren zwischen Stuttgarter Premiere und Wiederaufnahme sowie einige formidable Rollendebüts (insbesondere Alicia
Amatriain als Desdemona und Evan McKie als Jago) noch die Wiedersehensfreude mit dieser großartigen Shakespeare-Adaption des Ex-Stuttgarters John
Neumeier.
Das neue Bühnenbild hat Maximiliano Guerras „Don Quijote“ gut getan, der ersten Premiere der Spielzeit, die streng genommen eine Wiederaufnahme war. Die
Vorbehalte gegen Guerras Interpretation des Stoffs, die trotz einer dramaturgisch aufgepeppten Perspektive auf die Titelfigur zu brav Marius Petipa Ballettklassiker
nachbuchstabiert, sind damit nicht aus dem Weg geräumt. Doch das glänzend aufgelegte Ensemble, insbesondere das junge Tanzpaar Elisa Badenes und Daniel
Camargo als Kitri respektive Basilio, wischte am Premierenabend solcherlei Bedenken mit Esprit, Virtuosität, Charme und Schwung weg.
Ohnehin ist das hervorragende Ensemble außer den Werken selbstredend das Herz des Stuttgarter Balletts. Neben den Stars glänzen immer wieder aufstrebende
junge Tänzer oder verborgene Begabungen. Angelina Zuccarini als Zauberer Pumphutt in „Krabat“ verdient ebenfalls eine besondere Erwähnung. Ihr tänzerischer
Kampf mit dem Mühlenmeister als Mischung aus Cowboy-Indianer-Spiel und chinesischer Kampfattacke wird in Erinnerung bleiben.
Nicht vergessen werden soll eine feste Säule des Repertoires, die Werke von John Cranko. Seine großen Handlungsballette wirken auch nach Jahrzehnten frisch
und bilden einfach einen Teil der Identität der Kompanie. Das hat nicht zuletzt die Galavorstellung anlässlich fünfzig Jahre „Romeo und Julia“ Anfang Dezember
데미스 볼피는 어느날 슈트트가르트 발레단의 전속안무가라는 자리를 꿰어찰 수도 있겠다고 추측을 했었다. 그가 이렇게 빨리 갑작스럽게 전속안무가가 된 것은 놀랍다. 이 자리는 이전 전속안무가 크리스티안 슈푹이 지난 시즌 초부터 쮜리히 발레단으로 자리를 옮기면서 공석이었다. 군무를 추던 데미스 볼피가 한 프리미어 공연 직후 전속안무가로 임명된 것과, 이 공연 자체도 3월의 '크라바트' 초연이었던 것, 이 두 사건은 저물어가는 이번 슈트트가르트 발레 시즌의 가장 큰 사건들이었다.
그의 첫 장편 발레, '크라바트'에서 볼피는 오트프리드 프로이슬러의 유명한 청소년 소설, 물레방앗간의 소년들이 흑마술에 대항에 싸우는 이야기를 노련하게 춤으로 옮겨내고, 긴장감 넘치고 현대 감각에 맞게 흥미진진하게 재구성해내서, 이후의 큰 과제도 그는 해낼 수 있으리라는 신뢰를 얻어냈다. 안무적인 면에서 보면 몇가지 약점들이 있기는 하지만, 전체적인 분위기는 논란의 여지없이 충분히 설득력이 있었다. 그리고 무엇보다도 높이 살만한 점은 안무가 춤이라는 도구를 통해 믿음직스러운 캐릭터들을 개발해낼 수 있는 것이다. 데이비드 무어가 이루어낸 타이틀롤의 놀라운 모습이 바로 그 증거이다. (데이비드 무어는 이 역할에 대한 해석을 통해 솔리스트로 승격되었다.)
시즌 하반기의 이 인상적인 사건으로 인해 거의 (불공평하게) 뒤로 밀려난 일은 두번째 전속안무가 마르코 게코가 새로운 작품을 연출한 것이다. 라스 폰 트리에의 영화 '어둠 속의 댄서'를 각색한 이 작품은 슈트트가르트 발레단과 극단이 함께 작업한 결과물이다. 그래서 시력을 잃어가는 직공 셀마를 둘러싼 이 슬픈 이야기를 춤과 연기로 그려낸 이 작품의 초연에는 여러명의 주요한 창조자들이 숨어있다.
초연과 화려한 다발 속의 에버그린들
극장감독인 크리스티안 브레이가 감독을 맡았다. 괴케는 몸이 좋지 않아서 연습기간 동안 안무의 일부분을 루이 슈틴스에게 맡겨야 했다. 이 작품에서 춤은 배우들에 연기하는 등장인물들의 캐릭터를 묘사하는 도구에 불과하지만 그럼에도 불구하고 괴케의 낙인은 작품에 확연히 드러난다.
셀마의 아들인 진의 역할은 오로지 춤으로만 표현되는데, 안무가 듀오가 이 역할을 그려낸 방법이 이 작품에 특별하고 춤만의 독보적인 성격을 부여했다. 게다가 진의 역할을 맡았던 알렌산드로 지아귄토는 아직 존 크랑코 발레스쿨의 학생인데, 훌륭한 신예로 판명되었다. 그 밖에 루이 슈틴스도 이 공연을 통해 미래가 기대되는 젊은 안무가로 부상했고, 이로서 슈트트가르트 발레단의 공방은 또 다른 기대주를 배출했다. 이 공방은 화수분처럼 보인다.
발레단장 라이트 앤더슨은 항상 같은 문양으로 공연계획표의 기본 컨셉을 짠다: 다양한 레퍼토리를 섞어서 참신함을 추구하는 것이다. 왜 그는 검증된 레시피를 바꿔야 했을까? 슈트트가르트 작품 창고는 너무나도 광범위 하고 예술적으로도 가치가 높은데다가, 뒤섞인 프로그램은 아주 재미있게 짜여져서, 기존의 유명한 작품들도 항상 다시 새롭게 볼 수 있다.
그래서 발레의 밤 '춤/소리들'의 공연에는 춤과 음악의 상호작용을 모토로, 에드워드 클룩스의 'Ssss . . .',요르마 엘로의 'Slice to Sharp' 모리스 베자르의 '볼레로'로 눈길을 사로 잡았다. 조지 발란신의 '4개의 기질', 제롬 로빈스의 '무도회', 글렌 테틀리의 '봄의 제전'로 구성된 공연의 '걸작'이라는 타이틀은 이 현대 고전들의 의미를 고려해볼때 결코 과하지 않았다.'오델로'의 경우 이전 슈트트가르트 프리미어 공연과 이번 재공연 사이에 5년이라는 간극이 존재하는 데다가, 일부 역할 데뷔자들의 뛰어난 공연이 (특히 데스데모나 역의 앨리샤 아마트리안과 야고 역의 에반 멕키) 한 때 슈트트가르트 식구였던 존 노이마이어가 셰익스피어의 걸작을 각색해 만든 이 작품을 재회하는 기쁨을 더 크게 만들었다.
새로운 무대에서 막시밀리아노 구에라의 '돈키호테'도 훌륭했다. 돈키호테는 시즌의 첫 프리미어 공연으로, 엄선 끝에 다시 레퍼토리에 포함되었다. 돈키호테에 대한 구에라의 해석에 대한 우려는 여전히 남아있었다. 이 해석은 극적으로 매력넘치는 타이틀롤 돈키호테를 마리우스 페티파의 고전적 해석에 따라 너무나도 순종적으로 옮기고 있다. 그렇지만 뛰어난 앙상블, 특히 키트리와 바질리오 역을 맡았던 한쌍의 젊은 춤꾼 엘리사 바데네스와 다니엘 카르마고는 프리미어 공연 당시 이런 우려를 재치와 원숙한 테크닉, 우아한 매력, 그리고 힘있는 동작들로 불식시켰다.
물론 작품 외의 뛰어난 앙상블도 슈트트가르트 발레단의 핵심이다. 스타들 외에도 항상 새로운 신인들 혹은 숨은 보석들이 빛을 발한다. '크라바트'에서 마법사 품푸트 역할을 맡았던 안젤리나 쥬카리니도 따로 언급할만 하다. 물레방아 주인과의 춤추는 듯한 격투, 카우보이 인디언 놀이와 쿵푸가 섞인 이 장면은 깊은 인상을 남겼다.
잊지 말아야 할 것은 고정 레퍼토리들인, 존 크랑코의 작품들이다. 그의 대작들은 수십년이 지난 지금도 여전히 신선하고, 발레단 정체성의 한 부분으로 자리매김하고 있다. 12월 초에는 50주년 갈라공연으로 '로미오와 줄리엣'이 깊은 인상을 남겼다.
출처: 슈트트가르터 짜이퉁
크라바트를 야외에서 보던 날...
공연 직전에 검색을 해보고, 안무가가 젊은 줄은 알고 있었지만...그렇게 젊을 줄이야...
보통 그렇듯이 프로필 사진을 이쁠 때 사진으로 걸어놓은 줄로만 알았었다...
솜털이 보송보송한 안무가를 보고...멘붕 온 나...
나 : 아니...저 나이에 이렇게 큰 무대를 꾸미는 사람도 있는데...우리는 뭐하고 있는 겁니까???
'Romeo und Julia' klar. 'Schwanensee' und der 'Nussknacker' natürlich. Aber ein Jugendroman als Ballett?
Passt. Mit der choreographischen Umsetzung des Klassikers von Otfried Preußler (1923-2013) „Krabat“ hat das renommierte Stuttgarter Ballett erstmals in seiner
Geschichte ein Jugendbuch abendfüllend auf die Bühne gebracht. Der Lohn: Begeisterung und ganz viel Applaus des Premierenpublikums im ausverkauften
Opernhaus – nicht nur für tänzerische Meisterleistungen.
Duster ist das Ganze. Muss es aber auch sein – denn Preußler hat es ja genau so gemeint. Hunderte, meterhoch aufgestapelte Mehlsäcke wirken als Kulisse
erdrückend. Es geht um Macht, schwarze Magie und Liebe – und um den Kampf zwischen diesen beiden Kräften in einem jungen Mann. „Ich finde es sehr wichtig,
diese Geschichte am Leben zu erhalten“, sagt der junge deutsch-argentinische Tänzer und Choreograph Demis Volpi, der Preußlers Vorlage in Tanz umdichtete.
Die Geschichte sei „aktuell und universell“.
Preußlers Roman erzählt vom Waisenjungen Krabat. Er wird in einer Mühle als Geselle aufgenommen – doch der Meister der Mühle (Marijn Rademaker) offenbart
ihm bald, dass er sich eigentlich in einer „Schwarzen Schule“ befindet, in der er die „Kunst der Künste“ lernen kann. Anfangs fasziniert von der Macht der Magie,
erkennt Krabat, dass er einen furchtbaren Preis bezahlen muss: Er ist Gefangener des Meisters.
„Es geht ja im Prinzip um einen Jungen, der sich in die falsche Gesellschaft begibt und dort zunächst den Verlockungen der Macht erliegt“, erzählt Volpi. Als
Krabat realisiert, was ihm geschieht, ist es schon fast zu spät. „Aber durch die Kraft der Liebe kann er sich und seine Mitmenschen retten.“
Katharina Schlipf hat für „Krabat“ ein atmosphärisches Bühnenbild sowie schlichte, aber hoch wirkungsvolle Kostüme geschaffen. Die spektakulärsten tragen die
Gesellen, wenn sie der Meister in Raben verwandelt. Das symbolisiert ihre Abhängigkeit vom Meister und seiner Mühle, denen sie trotz ihrer Flügel nicht
entkommen können.
Die zu jeder Zeit passende Musik, gespielt vom Staatsorchester unter der Leitung von James Tuggle, stellte Volpi aus Werken der drei zeitgenössischen
Komponisten Peteris Vasks, Philip Glass und Krzysztof Penderecki zusammen. Und der Clou: Um die monotone Arbeit der Gesellen in der Mühle des Meisters zu
illustrieren wurde eine spezielle „Mühlen-Musik“ komponiert – aufgenommen in der seit 1819 betriebenen Mäulesmühle im Siebenmühlental nahe Stuttgart.
Tontechniker zeichneten die Geräusche der arbeitenden, durch Wasser angetriebenen Mühle an 16 verschiedenen Stellen auf und bastelten einen beklemmenden
Surround-Sound für das Opernhaus.
Demis Volpi wurde in Buenos Aires geboren. Der Absolvent der John Cranko Schule kam in der Spielzeit 2004/05 als Eleve ans Stuttgarter Ballett. Seit 2006
'로미오와 줄리엣' 당연하다. '백조의 호수', '호두까끼 인형' 역시 당연하다. 그렇지만 청소년 소설을 발레로?
어울린다. 유명한 슈트트가르트 발레단은 오트프리드 프로이슬러(1923-2013)의 고전 '크라바트'를 안무로 옮겨 처음으로 청소년소설을 장편으로 무대에 올렸다. 결과: 매진된 오페라하우스 내 관객들의 감동과 환호. 이는 훌륭한 춤에 대한 것만이 아니다.
전체적으로 황량하다. 프로이슬로의 의도대로 정확히 그러함이 틀림없다. 수백개의 높이 쌓아올려진 밀가마니들은 무대를 짓누르는 듯한 느낌을 준다. 권력과 흑마술, 사랑, 그리고 한 청년이 그 사이에서 갈등하는 것에 관한 이야기이다. '이 이야기를 살리는 것이 아주 중요하다고 생각합니다'라고 젊은 독일계 아르헨티나인 무용수이자 안무가인 데미스 볼피가 말했다. 그가 프로이슬러의 이야기를 춤으로 옮겼다. 이 이야기는 '현재에도 유효하고 전세계를 관통하는' 이야기라는 것이다.
프로이슬러의 소설은 고아 소년 크라바트에 관한 이야기다. 그는 어느 방앗간에 일꾼으로 뽑히는데, 얼마가지 않아 이 방앗간의 주인(마진 라데마커 연기)은 크라바트에게, 사실 그가 '어둠의 학교'에 들어왔고, 이곳에서 '마법의 기술'을 배울 수 있다고 알려준다. 처음에 마법의 힘에 매료되었던 크라바트는 곧 그에 끔찍한 댓가를 지불해야 함을 깨닫게 된다: 그는 마법사의 포로에 불과하다.
'근본적으로 한 소년이 잘못된 사회에 휩쓸려 들어가서, 처음에는 그 힘에 매료되는 이야기입니다.'라고 볼피는 말했다. 크라바트가 자신에게 일어난 일을 깨달았을 때는 이미 거의 한발 늦었다.'그렇지만 사랑의 힘으로 그는 스스로와 그의 동료들을 구할 수 있었죠.'
카타리나 쉴프는 '크라바트'를 위해 인상적인 무대와 간결하지만 효과적인 의상을 디자인했다. 마법사가 소년들을 까마귀로 변신시킬 때, 그들의 의상(날개)이 가장 인상적이다. 이는 그들이 마법사와 이 방앗간에 종속되었음을 의미한다. 그들은 날개를 가졌음에도 불구하고 이들에서 벗어날 수 없다.
제임스 터글의 지휘로 주립오케스트라가 연주한, 언제든지 어울릴 듯한 음악은 볼피가 세 현대 작곡가 페테리스 바스크, 필립 글라스 그리고 크시슈토크 펜데레스키의 곡들 중에서 고른 것이다. 그리고 하이라이트: 마법사의 방앗간에서 소년들이 하는 단조로운 일을 형상화하기 위해서 특별한 '방앗간 음악'을 작곡했다. 슈트트가르트 근처 지벤뮐렌탈(일곱개 방앗간 계곡)에 1819년부터 작동 중인 모일렌스방안간의 소리를 녹음했다. 음향기술자는 현재도 작동하는 물로 돌아가는 방앗간의 소리를 16개의 다양한 위치에서 녹음해서, 짓누르는 듯한 소리를 오페라하우스를 위해 재구성해냈다.
데미스 볼피는 부에노스 아이레스에서 태어났다. 존 크랑코 발레스쿨의 졸업생인 그는 2004/05년 시즌에 학생자격으로 슈트트가르트 발레단에 입단했고, 2006년부터 안무가로서의 가능성을 보였다.
출처: 포쿠스. 2013년 3월 28일
초연 당시 공연이 끝나고 난 뒤의 사진인 듯하다...
무대 한 가운데가 안무가 데미스 볼피...
왼쪽의 한쌍이 보르슐라와 톤다를 연기한 알리샤 아마트리안과 알렉산더 존스...
지휘자 양쪽으로 주인공 한쌍 칸토르카와 크라바트를 연기한 엘리사 바데네스와 데이비드 무어...
Mit Giselle entführt das Stuttgarter Ballett sein Publikum in die Welt des klassisch-romantischen Balletts des 19. Jahrhunderts. Getanzt wird Reid Andersons und Valentina Savinas 1999 entstandene Neuinszenierung des Ballettklassikers, die auf der ältesten existierenden Choreographie von Jean Coralli, Jules Perrot und Marius Petipa basiert. Die getanzte Geschichte des Bauernmädchens Giselle, das in unsterblicher Liebe zu Herzog Albrecht entbrannt ist, an gebrochenem Herzen stirbt und als „Wili" im gespenstischen Reich der Königin Myrtha weitertanzt, gilt bis heute als eines der schönsten und charakteristischsten Werke des klassischen Repertoires. Giselle ist ein typisches Resultat der romantischen Geisteshaltung und lebt von dem für die Epoche typischen Grundkonflikt zwischen der realen, begrenzten Wirklichkeit und einer unerreichbaren, schönen Gegenwelt. Auf der Bühne wirkungsvoll unterstrichen durch die Gegenüberstellung des Charakter- und Volkstanzes im ersten Akt mit dem reinen Ballet blanc des zweiten Aktes. Die Darstellung der Giselle verlangt von der Tänzerin ein Höchstmaß an Ausdruckskraft und technischer Brillanz. Dementsprechend beschreibt der Balletthistoriker Cyril Beaumont die Rolle der Giselle als eine Herausforderung, die mit der Darstellung des Hamlet für einen Schauspieler vergleichbar ist.
'지젤'과 함께 슈트트가르트 발레단은 19세기 클래식 로맨틱 발레의 세계로 관객들을 안내한다. 1999년 기존 장 코랠리와 줄 페로, 마리우스 페티파의 연출에 기초한 기존 발레 고전을 재각색하여 라이트 안더슨과 발렌티나 사비나가 (슈트트가르트 무대에서) 초연을 했었다. 알브레히트 공작을 향한 불꽃같은 사랑에 마음의 상처를 입고 죽은 농가의 처녀 지젤이, 미르타 여왕의 영혼의 세계에서 '윌리(춤의 영, 혹은 귀신)'가 되어 계속해서 춤을 춘다는 이야기는 오늘날까지도 고전 래퍼토리 중 가장 아름답고 개성적인 작품 중 하나로 꼽힌다.
지젤은 로맨틱한 영혼들의 전형적인 부산물이며, 제한된 현실과 도달할 수 없는 아름다운 저 세상 사이의 전형적인 충돌을 그린다. 무대 위에서는 민속춤적인 분위기를 띠는 1막과 순수 발레로 구성된 2막의 대조로 이를 강조한다.
지젤의 연기는 발레리나에게 고난이도의 표현력과 기술적 완성도를 요구한다. 발레 역사가 시릴 버몬트는 지젤이라는 배역을 연극에 있어서 '햄릿'에 비교할만 하다고 기술하기도 했다.
본조비가 솔로음반을 내면서 이렇게 광고했단다... "세상에는 본조비의 음악과 본조비가 아닌 음악이 있다!"
요즘에 발레를 보면 이런 생각을 한다... "세상에는 강수진이 하는 발레와 강수진이 하지 않는 발레가 있다!"
강수진씨가 추는 춤을 볼때면 입을 반쯤 벌리고, 그냥 넋을 놓고 보던 동작들을... 다른 무용수가 파르르 떨며 추는 것을 보면..."아...저 동작이 힘든 동작이겠구나" 비로소 생각하게 된다...
세계 5대 발레단에 속하는 슈트트가르트 발레단의 솔리스트면, 세계에서 몇손가락에 꼽히는 무용수일텐데도...
강수진씨의 춤과 너무 확연히 격차가 나서...요즘은 발레를 볼때마다 매번...아직 슈트트가르트에는 강수진씨 뒤를 이을 후계자가 없구나...하고 느낀다...
특히 1막은 상처를 입은 지젤이 광기 어린 춤을 추다 한 순간 춤을 멈추고 그대로 숨을 거둠며 끝이 나는데...
강수진씨가 부재한 무대에서 귀기 서린 강수진씨의 춤을 머리속으로 그리기도 했다...
Jason Reilly wurde in Toronto, Kanada, geboren. Seine Ausbildung erhielt er an der National Ballet School in Toronto. Direkt nach seinem Abschluss wurde er 1997
Mitglied beim Stuttgarter Ballett. Seit der Spielzeit 2003/04 ist Jason Reilly Erster Solist.
Beim Stuttgarter Ballett hat sich Jason Reilly in kurzer Zeit ein beachtliches Repertoire an Hauptrollen in großen Handlungsballetten bedeutender Choreographen
erarbeitet. Er tanzte die Titelrollen in Onegin und in Romeo und Julia (beide: John Cranko). Außerdem verkörperte er Prinz Siegfried in Schwanensee, Petrucchio in
Der Widerspenstigen Zähmung (beide: John Cranko), Herzog Albrecht in Giselle (Inszenierung: Reid Anderson, Valentina Savina), Colas in La Fille mal gardée (Sir
Frederick Ashton), Prinz Desiré, Carabosse und den Blauen Vogel in Dornröschen (Márcia Haydée nach Marius Petipa), Stanley Kowalski in Endstation
Sehnsucht, Gaston Rieux und des Grieux in Die Kameliendame sowie die Titelrolle in der Stuttgarter Erstaufführung von Othello (alle: John Neumeier). Weitere
Solorollen tanzte er auch in The Lady and the Fool (John Cranko), Edward II. (David Bintley), Don Quijote (Maximiliano Guerra), Lulu. Eine Monstretragödie
(Christian Spuck), Pierrot lunaire (Glen Tetley) sowie in Werken von George Balanchine, Jerome Robbins, Uwe Scholz, Glen Tetley, Jiří Kylián, Hans van Manen
und Maurice Béjart.
Zahlreiche Choreographen haben tragende Rollen für ihn choreographiert, darunter Itzik Galili, Christian Spuck, Mauro Bigonzetti, Daniela Kurz, Marco Goecke,
Douglas Lee und Kevin O'Day.
Jason Reilly war mit dem Stuttgarter Ballett auf Tourneen und bei unzähligen Gastauftritten auf der ganzen Welt zu sehen. Mit der männlichen Titelrolle in John
Crankos Romeo und Julia macht er auf der USA-Tournee des Stuttgarter Balletts im Jahr 2003 international auf sich aufmerksam. Er tanzte außerdem mit
international bedeutenden Tanzpartnerinnen wie Greta Hodgkinson, Alessandra Ferri und Evelyn Hart. In der Neueinstudierung des Stückes Endstation Sehnsucht
von John Neumeier beim Stuttgarter Ballett verkörperte er erstmals im Januar 2004 die Rolle des Stanley Kowalski an der Seite von Alessandra Ferri. Als die
kanadische Starballerina Evelyn Hart im April 2004 beschloss, nach 30-jähriger Bühnenkarriere letztmals die Julia zu tanzen, lud sie Jason Reilly ein, den Part des
Romeo zu übernehmen. Außerdem war er ihr Tanzpartner bei ihrem Abschied von der Bühne im Jahr 2006. Im Oktober 2006 tanzte er mehrere Vorstellungen von
Glen Tetleys Voluntaries als Gast des Royal Ballet London; 2007 tanzte er beim National Ballet of Canada an der Seite von Greta Hodgkinson die Rolle des
Petrucchio in John Crankos Der Widerspenstigen Zähmung.
Aufgrund seiner herausragenden Interpretation klassischer Rollen sowie seiner Ausdrucksstärke und technischen Brillanz in modernen Balletten wurde Reilly
wiederholt in den jährlichen Kritikerumfragen der Fachzeitschrift ballettanz zu den profiliertesten Tänzern gezählt.
Im Februar 2006 erhielt Jason Reilly den Deutschen Tanzpreis Zukunft 2006.
제이슨 라일리는 캐나다 토론토 생이다. 토론토 국립 발레 학교에서 교육을 받았고, 1997년 학교를 마친 직후 슈트트가르트 발레단의 일원이 되었다. 2003/04 시즌부터는 제1 무용수로 활동 중이다.
제이슨 라일리는 슈트트가르트 발레단에서 단시간만에 유명 안무가들의 장편 레퍼토리 주역을 따내었다. 그는 존 크랑코의 '오네긴'과 '로미오와 줄리엣'의 타이틀 역할, 그리고 '백조의 호수'의 지그프리드 왕자, '말괄량이 길들이기'의 페트루키오.'지젤'의 알브레히트 공작(라이드 앤더슨, 발렌티나 사비나 연출) , 프레드릭 애쉬튼 경의 'La Fille mal gardee' 에서 콜라스 역, (마리우스 프티파 본을 마르시아 하이데가 재각색한)'잠자는 숲 속의 공주'에서는 왕자, 마법사 카라보스, 푸른새 역, '욕망이라는 이름의 전차'에서 스탠리 코발스키, (존 노이마이어의) '카밀레온 레이디'의 가스통 리우와 그리우 역, '오델로'의 오델로 역을 맡았었다. 기타 (존 크랑코의) '미녀와 바보', (데이비드 빈틀리의) 에드워드 2세, (막시밀리아노 구에라의) 돈키호테와 룰루 등에서 솔리스트로 춤을 췄다. (크리스티안 슈푹의) 'Eine Monstretragodie (한 괴물의 비극? 혹은 엄청난 비극?)', (글렌 테틀리의) 'Pierrot lunaire' 그리고 게오르그 발란치네, 제로미 로빈스, 우베 숄쯔, 글렌 테틀리, Jiří Kylian, 한스 반 마넨 그리고 Maurice Bejart의 작품 들에 출연했다.
이지크 갈릴리, 크리스티안 슈푹, 마우로 비곤제티, 다니엘라 쿠르쯔, 마르코 괴케, 더글라스 리, 케빈 오'데이와 같이 이미 수많은 안무가들이 그에게 적합한 역할의 춤을 안무했다.
제이슨 라일리는 슈트트가르트 발레단의 순회공연과 전세계의 수많은 초청공연에서도 무대에 올랐다. 2003년 미국 순회공연에서는 존 크랑코의 '로미오와 줄리엣'의 로미오를 열연해 국제적인 주목을 받았다. 그밖에도 그는 그레타 호킨슨, 알레산드라 페리, 에블린 하트와 같은 세계적인 스타 발레리나들과도 함께 공연을 했다. 2004년 1월슈트트가르트 발레단이 존 노이마이어의 '욕망이라는 이름의 전차'을 재공연할때, 알레산드라 페리의 파트너로 스탠리 코발스키역을 맡았고, 캐나다의 스타 발레리나 에블린 하트는 2004년 4월 30년 무대생활 중 마지막으로 줄리엣을 출 때, 제이슨 라일리를 파트너 로미오 역할로 초대했었다. 2006년 그녀의 은퇴무대에서도 파트너로 섰다. 2006년 10월에는 글렌 테틀리의 'Voluntaries' 런던 로열 발레단 초청 공연에 출연했다. 2007년, 캐나다 국립 발레단의 '말괄량이 길들이기' 공연에서 그레타 호킨스의 상대역 페트루키오로 춤을 췄다.
고전극에서의 뛰어난 배역 해석과 현대극에서 보여준 강렬한 인상과 기술적 완성도 때문에 발레 잡지에서 평론가들을 대상으로 매년 실시하는 설문조사에서 가장 뛰어난 무용수들 중 한명으로 뽑혔다.
Choreographie Kenneth MacMillan Musik Gabriel Fauré Requiem, op. 48 Bühnenbild und Kostüme Yolanda Sonnabend Licht Mark Pritchard Uraufführung 28. November 1976, Stuttgarter Ballett Der britische Choreograph Kenneth MacMillan (1929–1992), der im Dezember 2009 seinen 80. Geburtstag gefeiert hätte, war John Cranko und dem Stuttgarter Ballett zeitlebens eng verbunden. Zwei der bedeutendsten Stücke seines Werkkatalogs, Das Lied von der Erde (1965) und Requiem (1976), wurden in Stuttgart uraufgeführt und sind nun nach mehr als einem Jahrzehnt wieder auf der Stuttgarter Ballettbühne zu erleben.
MacMillan begann seine Karriere, wie Cranko, als Tänzer am Sadler's Wells Ballet Theatre, dem heutigen Royal Ballet, entdeckte jedoch bald seine wahre Berufung und gab seine Tänzerlaufbahn zugunsten der Choreographie auf. 1965 wurde er zum ständigen Choreographen des Royal Ballet ernannt. Von 1966–69 war er Ballettdirektor der Deutschen Oper Berlin, von 1970–77 leitete MacMillan das Royal Ballet, danach zog er sich auf die Position des Chefchoreographen zurück. Von 1984 bis 1989 fungierte er zusätzlich als Kodirektor des American Ballet Theatre. Zu seinen Arbeiten gehören kurze abstrakte Ballette ebenso wie abendfüllende Handlungsballette, darunter Romeo und Julia (1965), Manon (1974) und Mayerling (1987), die bis heute von vielen Compagnien weltweit getanzt werden.
Drei Jahre nach Crankos unerwartetem Tod im Jahr 1973 choreographierte MacMillan Requiem zum Gedenken seines Freundes. Er notierte: „Dieses getanzte Requiem ist der Erinnerung meines Freundes und Kollegen John Cranko gewidmet, dem Gründer und ehemaligen Direktor des Stuttgarter Balletts." In der Uraufführung tanzten als Solisten Márcia Haydée, Birgit Keil, Egon Madsen, Richard Cragun und Reid Anderson.
MacMillan schuf Requiem zu Gabriel Faurés Vertonung der gleichnamigen Totenmesse. Fauré war es ein Anliegen, ein friedvolles Bild des Todes zu zeichnen. Er wich ab vom traditionellen Ablauf der Totenmesse und verzichtete auf die vollständige Vertonung der Sequenz Dies Irae, die die Schrecken des jüngsten Gerichts beschreibt. Während viele seiner Zeitgenossen die dramatisch wirksamen Möglichkeiten dieses Textes nutzten, konzentrierte Fauré sich auf die Idee der ewigen Ruhe. So entstand statt monumentaler Wucht ein Requiem der stillen und besinnlichen Töne, das Fauré selbst als "Wiegenlied des Todes" bezeichnet haben soll.
Requiem wurde sowohl auf der Stuttgarter Bühne als auch wenig später auf der USA-Tournee des Stuttgarter Balletts ein großartiger Erfolg. Amerikanische und britische Ballettkritiker waren sich darin einig, dass MacMillan damit eines seiner besten Werke geschaffen hatte.
안무 Kenneth MacMillan 음악 Gabriel Fauré Requiem, op. 48 무대 & 의상 Yolanda Sonnabend 조명 Mark Pritchard 초연 1976.11.28, Stuttgarter Ballett
2009년 12월이면 80세가 되었을 영국의 안무가 케네스 맥시밀리안 (1929–1992)은 존 크랑코, 그리고 슈트트가르트 발레단과 긴밀한 인연을 갖고 있다. 그의 포트폴리오에서 가장 중요한 2작품 '대지의 노래(1965)'와 '레퀴엠(1976)'은 슈트트가르트에서 초연되었는데, 거의 10여년 만에 다시 슈트트가르트 발레 무대를 통해 경험할 수 있게 되었다.
맥시밀리안은 크랑코처럼 오늘날 로얄 발레단의 전신인 새들러 웰즈 발레단에서 무용수로서 경력을 시작했다. 그렇지만 곧 그의 천직을 발견하고는, 무용수로서의 경력을 접고 안무가로 전향하게 된다. 1965년 로얄 발레단의 전속 안무가로 임명된다. 1966년부터 1969년까지는 독일 베를린 오페라 발레단의 감독을 역임했고, 1970년부터 1977년 사이에는 로열 발레단을 이끌었다. 그 이후로는 안무가로 다시 돌아왔고, 1984년부터 1999년까지 미국 발레 씨어터의 공동 감독이었다. 그의 대표작으로는 (위의 2 작품과 같은) 짧고 추상적인 현대 발레 이외에도, '로미오와 줄리엣(1965)', '마농(1974)'. '마이어링(1987)'과 같이 오늘날에도 세계 곳곳에서 공연되는 장편도 있다.
크랑코가 갑작스럽게 죽고 3년 후인 1973년 막시밀리안은 친구를 기리는 '레퀴엠'을 안무하고, '이 레퀴엠을 슈트트가르트 발레단의 감독이었던, 내 친구이자 동료 조 크랑코에게 바친다.'고 짧게 덧붙였었다. 초연에서는 마르시아 하이데, 브리기트 카일, 에곤 매드슨, 리하르트 크라군, 라이드 앤더슨이 독무를 췄다.
막시밀리안은 가브리엘 포레의 동명의 곡을 가지고 '레퀴엠'을 만들어냈다. 포레는 이 곡에서 평온한 죽음을 그리고자 했었다. 그는 전통적인 레퀴엠에서 조금 벗어나, 최후의 심판을 묘사하는 '분노의 날(혹은 심판의 날?)'이라는 부분을 과감하게 포기했다. 그의 동시대 작곡가들이 이 부분을 극적으로 즐겨 묘사했던데 비해, 포레는 영원한 안식이라는 주제에 집중했다. 그렇게해서 인상적이고 장엄한 곡이 아닌, 고요하고 사색적인 레퀴엠이 탄생했다. 작곡가 포레 스스로도 이 곡을 두고 '죽음의 자장가'라는 표현을 쓰기도 했다고 한다.
레퀴엠은 슈트트가르트 무대에서 뿐만 아니라, 이후 슈트트가르트 발레단의 미국 순회공연에서도 큰 성공을 거두었다. 미국과 영국의 발레 평론가들은 이 작품이 막시밀리안의 최고작이라는데 의견을 달리 하지 않았다.
2주 연이어 강수진씨가 공연하는 발레를 봤다... 이번 주는 '대지의 노래'와 '레퀴엠' 2개의 짧은 현대극을 1, 2막으로 묶은 공연이다...
현대무용은 난해하다는 선입견이 있어서... 그 동안 발레를 고를 때 괜히 의식적으로 현대극은 일단은 무조건 제외를 시켜두고 봤었다... 어제 공연만 해도, 출연자 명단 제일 위에 올라와 있는 강수진씨의 이름이 아니었다면 절대 보지 않았었을 공연이다...
선입견이라는 것이 얼마나 우스운 것인가를 다시 일깨워준 공연이었다... 스토리에 기대어 있는 고전극을 볼때는 춤도 춤이지만, 무의식적으로 그 춤을 추는 순간의 에피소드에 더 몰두하고 있었던 반면에... 현대극은...오로지 무대와 음악, 그리고 무용수의 몸짓이 만들어 내는 그 순간 자체에 빠져들 수 있어서 너무 좋았다... 인간의 몸이 그려내는 표정을 오롯히 순수하게 만날 수 있는 순간이었다...
세상에서 발견한 새로운 영역 또 하나...
사진은 강수진씨가 공연하는 '레퀴엠'인데, 강수진씨는 포레가 초점을 맞추었던 '평온함'을 상징하는 듯하다... 그래서 강수진씨의 카리스마가 특히 빛을 발한다고 느껴지는 공연은 아니었는데... 대신 사진의 이 남자 무용수가 참 인상적이었다...
'잠자는 숲속의 공주'에서 사악한 마법사로 처음 봤었던 이 무용수는... 너무너무 춤을 잘 춘다... 슈트트가르트 발레단 남자 무용수 중에서 가장 좋아하는 무용수인데... 역시나 무대에서 인종적이고 외모적인 한계를 뛰어넘는 것은 어려운 일지... 고전극에서 주인공 역할을 맞는 것을 보지는 못했는데... (그런 점에서 그 모든 것을 극복하고, 본인을 동양인이 아닌 오로지 발레리나로만 보일 수 있도록 깎아낸 강수진씨의 노력과 그 성과는 정말로 대단한 것이다...) 어제 공연에서는 이 무용수가 정말이지 빛을 발했다... 특히나 그의 피부빛이 더해져 주는 원초적인 이미지까지...
어제 그의 모습을 보면서 오텔로를 현대적으로 각색해서 그가 추면 참...잘 어울릴 것 같다는 생각을 했다...
John Cyril Cranko (* 15. August 1927 in Rustenburg, Südafrika; † 26. Juni 1973 während einer Flugreise nach Dublin) war ein britischer Tänzer und Choreograf.
Cranko studierte zuerst in Kapstadt. 1946 ging er nach London und wurde Mitglied des Sadler's Wells Theatre Ballet. Seine Inszenierungen zeichneten sich durch
eine klare dramatische Struktur aus. 1947 schuf er für das Sadler's Wells Ballet eine aufsehenerregende Choreografie zu Debussys Children's Corner.
Die ersten großen Erfolge mit dieser Truppe hatte er 1949 mit Beauty and the Beast, 1951 mit Pineapple Poll und Harlequin in April. 1955 choreografierte er für die
Pariser Oper La Belle Hélène. Seine erste abendfüllende englische Ballettaufführung hatte er 1957 mit Der Pagodenprinz. 1961 wurde Cranko von Walter Erich
Schäfer zum Direktor des Stuttgarter Balletts berufen. Er sammelte eine Gruppe von begabten Tänzern um sich, u. a. Marcia Haydée, Egon Madsen, Richard
Cragun, Birgit Keil und Suzanne Hanke.
Einige seiner Choreografien in Stuttgart waren 1962 Romeo und Julia nach William Shakespeare, 1965 Onegin nach Alexander Puschkin. 1969 folgte Der Wider-
spenstigen Zähmung nach Shakespeare, 1970 Brouillards, 1971 Carmen (mit Musik von Wolfgang Fortner und Wilfried Steinbrenner) und schließlich 1973 Spuren.
Crankos Choreografien trugen maßgeblich zum so genannten „Deutschen Ballettwunder“ bei, das 1969 mit einem Gastspiel an der Metropolitan Opera in New York
begann. Geschichten nuanciert zu erzählen, seine klaren dramatischen Strukturen und die außerordentliche Art und Weise, wie er die Kunst des Pas de deux
beherrschte, eroberten das Publikum in New York. 1971 gründete er in Stuttgart eine Ballett-Schule mit Internat. Die John Cranko-Schule ist heute Ballettschule
der Württembergischen Staatstheater sowie Berufsfachschule und Staatliche Ballettakademie.
John Cranko starb am 26. Juni 1973 während des Rückfluges von einer erfolgreichen USA-Tournee nach Dublin. Sein Grab liegt auf dem kleinen Friedhof beim
Schloss Solitude (Stuttgart). Zur Feier seines 80. Geburtstags im August 2007 veranstaltete das Stuttgarter Ballett das Cranko Festival 2007, eine
Veranstaltungsreihe in Stuttgart.
Quelle: http://de.wikipedia.org/wiki/John_Cranko
존 키릴 크랑코(1927년 8월 15일 루스텐부르크 생, 1973년 6월 12일 더블린으로 여행하던 중 남아프리카에서 사망)는 영국의 무용수이자 안무가이다.
크랑코는 처음에 카프슈타트에서 공부했고, 1946년 런던으로 옮겨서 새들러 웰즈 극장 발레단의 일원이 되었다. 그의 연출은 명확한 드라마 체계로 유명하다. 1947년에는 새들러 웰즈 발레단을 위해 드뷔쉬의 'Children's Corner'를 안무했다.
그는 이 발레단과 함께 1949년 '미녀와 야수', 1951년 4월의 'Pineapple Poll and Harlequin' 첫 성공을 이뤄냈다. 1955년에는 파리의 오페라 La Belle Hélène를 안무했다. 그의 첫번째 영국 장편 공연은 1957년의 'Der
Pagodenprinz(파고다의 왕자)'이다. 1961년 발터 에리히 쉐퍼가 그를 슈트트가르트 발레단의 감독으로 발탁했고, (감독으로서) 그는 재능있는 무용수들을 모았다. 마르시아 하이데, 에곤 마드센, 리하르트 크라군, 브리기트 카일 그리고 수자네 한케 등이 그 밑에 모인 인재들이다.
슈트트가르트에서 한 연출작으로는 1962년 셰익스피어 원작의 '로미오와 줄리엣', 1965년 푸시킨 원작의 '오네긴', 1969년 셰익스피어의 희극 '말괄량이 길들이기', 1970년 '안개', 1971년 '카르멘'(볼프강 포르트너와 빌프리드 슈타인브레너 곡) 그리고 1973년 'Spuren'이 있다. 크랑코의 안무는 1969년 뉴욕 메트로폴리탄 초청 공연을 시작으로 일명 '독일 발레의 기적'을 열었다. 그의 명확한 드라마와 Pas de deux를 다루는 탁월한 기술이 뉴욕의 관객을 어떻게 감동시켰는지, 역사는 강조해서 서술한다. 1971년 그는 슈트트가르트에 기숙사를 갖춘 발레 스쿨을 설립했다. 존 크랑코 발레 학교는 오늘날 뷔템베르크 주립극장의 발레 학교이자 전문 직업학교이고 주립 발레대학이다.
존 크랑코는 1973년 6월 26일 미국공연을 성공리에 마치고 더블린으로 향하던 중 사망했다. 그의 시신은 슈트트가르트 솔리튜드 궁 근처의 작은 공동묘지에 안치되었다. 2007년 8월 그의 80세 생일을 기리며 슈트트가르트 발레단은 2007년 크랑코 페스티벌을 열어 특별행사를 가지기도 했다.
베를린 필하모니 앞에 허버트 카라얀 거리가 있는 것 처럼...
슈트트가르트 주립 극장 앞에는 크랑코 길이 있다...
알고 보니 우리에게는 강수진으로 먼저 알려져, 처음부터 그렇게 세계 최고인 줄로만 알았던 슈트트가르트 발레단이 현재와 같은 위치에 오르게 된 것은 모두 존 크랑코의 덕분이다...
슈트트가르트 발레단이 모던한 편이며 새로운 시도를 많이 한다는 이야기를 듣고...올려지는 프로그램에 현대극도 많이 섞여 있어서 그런가보다 했었는데...
고전인 줄만 알고 보아왔던 '로미오와 줄리엣', '말괄량이 길들이기', '오네긴' 모두 다 1960년대에야 각색된 작품들이다...
알고나서 생각해보니...확실히 이 작품들이 '백조의 호수'나 '호두까기 인형', '잠자는 숲 속의 공주'보다 훨씬 현대적이다...
그래서 구미에 더 맞았나??
아니면 그것이 존 크랑코의 힘이었나???
그렇게 찍은 제일 싼 8유로짜리 좌석은 3층(꼭대기층) 오른쪽 뒤에서 두번째 줄 기둥 옆자리...
기둥이 찍혀있지 않은 좌석안내그림에서 자리를 골라 표를 결제하고 한참이 지나고도 극장 내에 기둥이란 존재를 까맣게 잊고 있었다...
친구가 '어...그 자리 기둥에 가릴 수도 있대...'라고 말해주는 순간...
아뿔싸...했다...
다음주 공연표도 같은 자린데...
+1. 역시나 기둥이 시야를 조금 가리기는 했다...무대의 10% 정도...
지어진지 오래된 데에 비하면 그래도 슈트트가르트 극장이 시야가 좋은 편이라...
8유로짜리 좌석에 그 정도 뷰면 아주 훌륭했다...
그래도 다음번에 예매할때는 조금 더 미리 끊고 10유로 더 써서 가운데 앉아서 봐야지...라고 마음 먹는다...
+2. 강수진씨의 공연을 네번째...작품으로는 세번째 봤는데...
'로미오와 줄리엣'의 줄리엣
'말괄량이 길들이기'의 케이트(말괄량이 길들이기를 두번 봤다..)
'오네긴'의 타티아나
그녀가 맡아온 역할들 때문인지...
연륜 때문인지...
무릎팍 도사에서 들은 그녀의 근성과 집념에 대한 선입견 때문인지...
이제는 그녀의 춤에서 강인함을 느낀다...
공연을 보다가...중간에...그녀가
'말괄량이 길들이기'에서 사랑스럽기만 하던 동생의 춤을 춘다면...
'잠자는 숲 속의 공주'에서 갈등없이 잠에서 깨어나 사랑을 이루어냈던 오로라 역할을 맡는다면...하고
잠깐 딴 생각을 하다가...
1막 사랑스러운 줄리엣으로 등장하던 순간에도 카리스마를 발했던 2003년 여름, 그녀와의 첫만남을 기억해내고...
고개를 흔들었다...
그런데 발레단 홈페이지에 소개된 그녀의 프로필을 봤더니 오로라도 포함되어 있다...
그녀가 추는 오로라 공주의 춤을 한 번 볼 기회가 있기를...
+3. 내년 2월쯤에 시즌 마지막 공연 때에 한번 더 봐둘까...기웃기웃하는 중이다...
Onegin ist ein Ballett in drei Akten und sechs Szenen von John Cranko. Von ihm stammt nicht nur die Choreografie, sondern auch das Libretto. Es basiert auf dem
Versroman Eugen Onegin von Alexander Sergejewitsch Puschkin. Die Musik wurde verschiedenen Werken Peter Iljitsch Tschaikowskis entnommen. Die
Uraufführung der ersten Fassung war am 13. April 1965, die der zweiten Fassung am 27. Oktober 1967, beide Male durch das Stuttgarter Ballett am Großen Haus
der Württembergischen Staatstheater in Stuttgart. Die Titelrolle tanzte Heinz Clauss, die Rolle seiner Partnerin verkörperte Marcia Haydée. Eine Aufführung dauert
ca. zwei Stunden (mit je einer Pause zwischen den Akten).
Personen
* Onegin, ein reicher Gutsbesitzer
* Madame Larina
* Deren Töchter Tatjana und Olga
* Lenski, ein Dichter
* Fürst Gremin
* Freundinnen der Schwestern und Ballbesucher (Corps de ballet)
Handlung
Das Ballett spielt auf einem russischen Landgut um 1820 und zehn Jahre später in Sankt Petersburg.
Prolog: Im Haus von Onegins Onkel
Onegin besucht seinen Onkel, der im Sterben liegt. Nachdem das erwartete Ereignis eingetreten ist, wird er Alleinerbe des riesigen Landgutes, das sein
Verwandter hinterlassen hat. Gegenüber dem Personal und dem Landvolk tritt Onegin äußerst hochmütig auf, indem er den Leuten vorgaukelt, etwas Besseres zu
sein. Der Prolog kommt nur in der ersten Fassung vor. Heute jedoch wird nur noch die zweite Fassung des Balletts aufgeführt.
Erster Akt
Erste Szene: Im Garten der Madame Larina
Die verwitwete Madame Larina hat zwei Töchter, die in ihrem Wesen verschiedener kaum sein könnten: Da ist die ernste und verträumte Tatjana; ihre Schwester
Olga hingegen liebt das Leben und sprüht nur so von Temperament. Während Tatjana noch ungebunden ist, erwartet Olga wieder einmal den Besuch ihres
Verlobten, des schwärmerischen Dichters Lenski. Dieser kommt heute nicht allein, sondern hat seinen neuen Freund Onegin im Schlepptau. Tatjana ist gleich so
von ihm angetan, dass sie sich augenblicklich in ihn verliebt. Onegin hingegen erwidert ihre Gefühle nicht. Im Gegenteil: Er lässt die ganze Gesellschaft seinen
Hochmut spüren. Als die Besucher von den beiden Schwestern und deren Freundinnen aufgefordert werden, mit ihnen zu tanzen, erfüllt nur Lenski diesen Wunsch.
Onegin wendet sich gelangweilt von den Tanzenden ab.
Zweite Szene: Tatjanas Schlafzimmer
Tatjanas Gedanken kommen von Onegin nicht los. Obwohl sie ihn nur kurz gesehen und nur wenige Worte mit ihm gewechselt hat, schreibt sie ihm einen Liebes-
brief. Als sie in den Spiegel schaut, erblickt sie Onegin. In einer Traumszene erscheint ihr der Angebetete und erwidert ihre Gefühle. Dabei gibt er sich viel
sympathischer als an dem Tag, an dem sie ihn kennen lernte.
Zweiter Akt
Erste Szene: Im Hause Madame Larinas
Madame Larina richtet zu Ehren ihrer Tochter Tatjana, die heute Geburtstag hat, ein prunkvolles Fest aus. Unter den zahlreichen Gästen sind auch Lenski, Onegin
und der einflussreiche Fürst Gremin. Begierig wartet Tatjana auf die Gelegenheit, mit Onegin ein vertrautes Gespräch führen zu können. Als sie den Zeitpunkt für
gekommen hält, fragt sie ihn, ob er ihren Brief erhalten habe. Onegins Antwort aber versetzt ihr einen Schock: Er nimmt den Brief aus der Tasche und zerreißt ihn.
Doch damit nicht genug: Er wendet sich von ihr ab und flirtet vor aller Augen ganz intensiv mit Olga. Darüber gerät deren Verlobter Lenski so in Rage, dass er
seinen Freund zum Duell fordert.
Zweite Szene: Ein verlassener Park
Die beiden Schwestern geben sich alle erdenkliche Mühe, Lenski davon abzuhalten, sich mit Onegin zu duellieren. Auch Onegin zeigt sich bereit, sich mit dem
Dichter zu versöhnen und sich zu entschuldigen. Lenski aber bleibt hart; er will auf das Duell nicht verzichten. Im folgenden Zweikampf siegt Onegin; Lenski findet
den Tod.
Dritter Akt
Erste Szene: Ballsaal
Seit dem Duell sind zehn Jahre vergangen. Tatjana ist längst mit dem Fürsten Gremin verheiratet, der vom Alter her ihr Vater sein könnte. Zu dem Ball, den der
Fürst heute gibt, ist auch Onegin geladen. Auf seinen vielen Reisen hat er stets das Glück gesucht, es aber nie gefunden. Als er Tatjana erblickt, wird ihm
bewusst, dass es ein großer Fehler war, damals ihre Liebe zu verschmähen. Seine Hoffnung, Tatjanas Gefühle für ihn könnten wieder aufleben, ist zum Scheitern verurteilt. Diesmal ist sie es, die sich von ihm abwendet.
Zweite Szene: Tatjanas Boudoir
Tatjana hat von Onegin einen Brief erhalten, in dem er für heute Abend seinen Besuch bei ihr ankündigt. Sie aber legt darauf überhaupt keinen Wert. Um
wenigstens dem ungebetenen Gast nicht alleine gegenübertreten zu müssen, bittet sie ihren Gatten, heute zu Hause zu bleiben. Der sorglose Fürst Gremin jedoch
schlägt die Bitte seiner Frau aus und geht.
Onegin kommt und überschüttet Tatjana mit Liebeserklärungen. Die Arme wird von ihren Gefühlen hin- und hergerissen. Einerseits zieht es sie zu ihm hin, aber
andererseits sagt ihr der Verstand, dass Onegin eigentlich ihrer nicht wert ist. Diese Erkenntnis gewinnt schließlich die Oberhand. Nun dreht sie den Spieß um und
zerreißt demonstrativ Onegins Brief vor seinen Augen. Bestürzt eilt Onegin davon, verzweifelt bleibt Tatjana zurück.
Musik
Das gemeinsame an dem Ballett und an Tschaikowskis Oper Eugen Onegin sind lediglich die literarische Vorlage von Puschkin und die Tatsache, dass bei beiden
Werken der Komponist Tschaikowski heißt. Ansonsten findet man nicht eine einzige Melodie aus der Oper in dem Ballett. Der Komponist Kurt-Heinz Stolze hat
aus zahlreichen, heute weitgehend unbekannten Werken Tschaikowskis die Musik zusammengestellt. So wurde für den großen Pas de deux in der zweiten Szene
des ersten Aktes ein Duett aus Romeo und Julia verwendet; der Mittelsatz aus der symphonischen Dichtung Francesca da Rimini findet sich im Pas de deux des
dritten Aktes wieder. Rund drei Viertel der Musik stammt aus Tschaikowskis Klavierkompositionen und wurden von Stolze für das Ballett orchestriert.
오네긴은 (안무가) 존 크랑코에 의해 각색된 3막 6장의 발레이다. 존 크랑코는 이 작품에서 안무뿐만 아니라 각색까지 해냈다. 극은 푸시킨의 동명소설 '유진 오네긴'에 기초했고, 음악은 차이코프스키의 다양한 작품들 중에서 차용했다. 1965년 4월 13일 초연되었고, 한번의 손질을 거쳐 1967년 2월 27일(지금의 형태로) 다시 초연되었는데, 두번 모두 슈트트가르트의 바덴뷔템베르그주 주립극장에서 슈트트가르트 발레단이 공연했다. 하인쯔 클라우스가 남자 주인공을, 마르시아 하이데가 여자 주인공으로 분했었다. 공연은 막간의 휴식 시간을 포함에 총 2시간 30분 정도 걸쳐 진행된다.
등장인물
* 오네긴, 부유한 지주
* 마담 라리나와 그녀의 두 딸 타티아나와 올가
* 렌스키, 시인
* 그레민 후작
* 자매의 친구들과 무도회 참석자들
줄거리
이 발레는 1820년 경 러시아의 한 시골 영지와 10년 후의 성 페테스부르크를 배경으로 한다.
프롤로그: 오네긴 삼촌의 집
오네긴이 임종을 앞 둔 삼촌을 방문한다. 삼촌이 숨을 거두자, 그는 삼촌이 남긴 거대한 농장을 상속받게 된다. 그는 관리인들과 소작인들 앞에 거만한 모습으로 나서고, 사람들은 그가 특별하다고 믿는다. 프롤로그는 첫번째 각색에만 등장한다. 오늘날에는 (프롤로그가 빠진) 두번째 각색이 공연된다.
1막
1장: 마담 라리나 집의 정원
미망인 마담 라리나에게는 기질이 전혀 다른 두 딸이 있다. 진지하고 공상에 잠긴 타티아나가 있고, 반대로 올가는 생을 사랑하고 열정이 넘친다. 타티아나가 아직 혼자인 반면에 올가는 또 다시 그녀의 약혼자, 감성적인 시인 렌스키를 기다린다. 렌스키는 오늘 혼자가 아니라 그의 친구 오네긴을 끌고 나타났다. 타티아나는 그를 보고 첫눈에 반한다. 그렇지만 오네긴은 그녀의 감정에 답하지 않는다. 반대로 그는 거만함을 풍길 뿐이다. 두 자매를 방문한 친구들이 춤을 청하면, 마지못해 응할 뿐이다. 오네긴은 춤을 추는 사람들을 지겨워할 따름이다.
2장: 타티아나의 침실
타티아나는 오네긴에 대한 생각을 떨쳐버릴 수가 없다. 아주 짧은 순간 그를 보고 몇마디 말을 나누었을 뿐이지만, 그녀는 그에게 연정의 편지를 쓴다. 그녀가 거울을 바라보는 순간, 그녀는 오네긴을 발견한다. 꿈속에 나타난 그는 그녀의 감정에 답한다. 꿈속의 그는 처음 만났던 낮에서보다 훨씬 더 감미롭다.
2막
1장: 마담 라리나의 집
마담 라리나는 생일인 타티아나를 위해 화려한 파티를 연다. 수많은 손님들 중에 렌스키와 오네긴 그리고 그레민 후작도 포함되어 있다. 타티아나는 끊임없이 오네긴과 진지하게 대화할 기회를 찾는다. 마침내 기회가 생기자, 그녀는 그에게 편지를 읽었는지 묻는다. 그의 대답은 뜻밖에 너무나도 충격적이다. 그는 품에서 편지를 꺼내 찢는다. 그 뿐만이 아니다. 그는 모두가 보는 앞에서 올가와 시시덕거리고, 마침내 올가의 약혼자가 분노해 친구인 그에게 결투를 신청하기에 이른다.
2장: 인적 없는 공원
두 자매는 오네긴과 결투를 기어코 하려는 렌스키를 어떻게든 말려보려고 애쓴다. 오네긴도 렌스키와 화해를 청하고 용서를 구하려 하지만 렌스키는 완고하다. 그는 결투를 포기하지 않으려 하고, 결국 결투는 오네긴의 승리로 끝난다. 렌스키는 목숨을 잃는다.
3막
1장: 무도회장
결투로부터 10년의 세월이 흘렀다. 타티아나는 이미 오래전 거의 그녀 아빠뻘이 되는 나이의 그레민 후작과 결혼했다. 후작이 개최한 이 무도회에는 오네긴도 초청을 받았다. 긴 세월 동안 그는 행복을 찾아 방랑했지만, 결국 찾지 못했다. 무도회장에서 타티아나를 재회하는 순간, 그는 지난날 그녀의 사랑을 거절했던 것이 큰 실수였었다는 것을 깨닫는다.
그에 대한 타티아나의 연정을 다시 얻을 수 있으리라는 희망은 꺾인다. 이번에 거절하는 쪽은 타티아나다.
2장: 타티아나의 방
타티아나는 오네긴으로부터 오늘밤 그녀를 방문할 것이라고 알리는 한통의 편지를 받는다. 그녀는 조금도 흔들림이 없지만, 적어도 불청객을 혼자서 맞이하고 싶지는 않다.
그녀는 남편에게 오늘은 집에 있어주기를 부탁하지만, 태평한 후작은 그녀의 부탁을 무시하고 외출한다.
오네긴이 찾아오고 그는 사랑을 고백해 타티아나를 흔들어 놓는다. 타티아나는 그녀의 감정에 괴로와한다. 한편으로 그녀는 그에게 여전히 끌리지만, 다른 한편으로 그녀의 이성은, 더이상 오네긴은 그녀에게 아무것도 아니라고 말한다. 결국 이성이 승리하고. 그녀는 날을 다시 세워, 그의 눈앞에서 오네긴의 편지를 찢는다. 당황한 오네긴은 서둘러 떠나고, 절망한 타티하나만이 남는다.
음악
발레와 차이코프스키 오페라 '유진 오네긴' 사이의 공통점은 푸시킨의 문학적 기초와 두 작품의 작곡가가 차이코프스키라는 점 뿐이다. 그 밖에는 발레에서 오페라 선율 중 어떤 것 하나도 찾을 수 없다. 작곡가 쿠르트-하인쯔 슈톨쯔는 오늘날 그다지 알려져 있지 않은 차이코프스키의 많은 곡들을 골라내어 발레곡으로 다시 묶어냈다. 1막 2장의 Pas de deux를 위해서 로미오와 줄리엣 중 듀엣이 쓰였고, 교향곡 Francesca da Rimin의 중간악장이 3막의 Pas de deux에 등장한다. 전체 곡의 3/4정도는 차이코프스키의 피아노곡들로 슈톨쯔가 오케스트라곡으로 편곡했다.
이미 이야기가 다 끝난 상황에서 덧붙은 3막은 그다지 재기발랄하지도 않았고, 전체적으로 구구절절한 사족같았으며...
주인공 왕자와 공주의 춤도 만족스럽지 못했다...
슈트트가르트 발레단에서 주인공을 꿰어찰 정도면...한 수준하는 무용수들일텐데도...
강수진씨의 공연을 본 이후로는 번번히...그녀의 춤과 다른 무용수들의 춤을 비교하고는...어느새 고개를 젓게 된다...
왕자가 잡아주는 가운데 턴을 하는 오로라 공주의 몸이 어찌나 파르르 떨리던지...
그래도 이 공연에서 굉장한 한 무용수를 처음 만났다...
카라보스를 연기한 제이슨 라일리...
전체적으로 좀 밋밋한 느낌의 공연에서 이 무용수가 긴 옷자락을 날리며 무대를 휘젓는 부분만큼은 생기가 넘쳤다...
이 무용수의 또 다른 공연들이 기대된다...
Dornröschen (russisch Спящая Красавица) ist ein Ballett zur Musik von Pjotr Iljitsch Tschaikowski (op. 66) nach dem Märchen La belle au bois dormant von
Charles Perrault. Es wurde am 15. Januar 1890. am Mariinski-Theater in Sankt Petersburg mit der Choreografie von Marius Petipa uraufgeführt.
Bis heute ist Dornröschen eines der populärsten Ballette und gehört zum internationalen Standardrepertoire des klassischen Balletts. Tschaikowski selbst hielt es
für sein bestes Ballett.
Personen
Zentrale Figuren: Prinzessin Aurora, Prinz Desiré, Carabosse (böse Fee), Die Fliederfee (Fee der Weisheit), König Florestan, Die Königin
Catalabutte, Haushofmeister, Eine Amme
Nebenfiguren : Im Prolog: fünf Feen (Schönheit, Klugheit, Anmut, Beredsamkeit, Kraft) und deren Begleiter
Im ersten Akt: vier Prinzen (Ost, Nord, Süd, West), Auroras Freundinnen
Im zweiten Akt: Die Verlobte des Prinzen, Begleiter der Carabosse
Im dritten Akt: Festgäste (Märchenfiguren)
Hofdamen und Hofherren, Gärtnerinnen und Gärtner, Waldgeister (Corps de ballet)
Handlung
Die Handlung beruht in weiten Teilen auf dem Märchen La belle au bois dormant von Charles Perrault aus dem Jahr 1696. Der 3. Akt und das abschließende
Divertissement sind zeittypisch dem Geschmack des 19. Jahrhunderts geschuldet. Die Handlung unterscheidet sich von der in Deutschland bekannten Version der
Brüder Grimm.
Prolog:Auroras Taufe
Viele Jahre musste das Königspaar warten, bis ihm der sehnlichste Wunsch erfüllt wurde: die Geburt eines Kindes! Sie gaben dem Mädchen den Namen Aurora,
und heute soll es getauft werden. Zu der Feier wurden neben der Hofgesellschaft auch sechs Feen eingeladen. Sie überbringen der Prinzessin Geschenke und gute
Wünsche. Zur Überraschung aller verdunkelt sich mit einem Schlag der Himmel und ein Gewitter zieht auf. Plötzlich steht die alte, verwahrlost wirkende Fee
Carabosse im Festsaal. Aus Wut darüber, dass sie keine Einladung erhalten hat, verflucht sie das Kind. Wenn Aurora ihren 16. Geburtstag feiern werde, solle sie
sich an einer Spindel stechen und tödlich verletzen. Die ganze Festgesellschaft ist entsetzt. Die Fliederfee, die als Glückbringerin gilt, kann zwar den Fluch nicht
rückgängig machen, aber doch etwas abmildern: Aurora werde nicht sterben, sondern lediglich in einen hundertjährigen Schlaf fallen. Wenn sie dann von einem
Prinzen geküsst werde, erwachten in ihr wieder die Lebensgeister.
In einer Zwischenszene sieht man, wie Aurora heranwächst, stets begleitet von der guten Fliederfee. Aber auch Carabosse wirft immer mal wieder ein Auge auf die
Prinzessin und sehnt den Tag herbei, an dem sich ihr Fluch erfüllen werde.
Erster Akt: Auroras Geburtstag
Die Prinzessin feiert ihren 16. Geburtstag. Unter den Gästen sind auch vier junge Prinzen, die um ihre Hand anhalten. Wie schon am Tag ihrer Taufe erhält Aurora
wieder zahlreiche Geschenke. Besondere Freude zeigt sie an einem riesigen Strauß roter Rosen. Er ist von Carabosse, was aber der Prinzessin verborgen bleibt.
Es dauert nicht lange, bis ihr ein Schrei entfährt und sie scheinbar tot zu Boden sinkt. Carabosse hatte in dem Strauß eine Spindel versteckt, an der sich das
Mädchen gestochen hatte. Mit einer wahren Genugtuung genießt die böse Fee, wie sich ihr Fluch erfüllt hat. Die gute Fliederfee aber sorgt dafür, dass alle
Menschen im Schloss in einen tiefen Schlaf versinken.
Zweiter Akt: Jagdszene, Prinz Desirés Vision und Auroras Erwachen
Hundert Jahre sind inzwischen vergangen. Unweit des verzauberten Schlosses befindet sich eine fürstliche Jagdgesellschaft, angeführt von Prinz Desiré. Die jungen
Leute vertreiben sich die Zeit mit allerlei Gesellschaftsspielen. Auf einmal stößt die Fliederfee auf die Gruppe und geht auf den Prinzen zu. Mit ihren magischen
Kräften sorgt sie dafür, dass ihm das Bildnis Auroras erscheint. Darüber zeigt sich der Prinz so sehr entzückt, dass er mehr über das liebliche Mädchen erfahren
will. Die Fliederfee fordert ihn auf, ihr zu folgen; dann werde er noch heute sein Glück finden.
Desirés Herz beginnt schneller zu schlagen, als er die schlafende Schönheit erblickt. Behutsam nimmt er ihren Kopf in seine Hände und drückt Aurora einen
heißen Kuss auf die Lippen. Plötzlich erwachen nicht nur bei ihr, sondern bei der gesamten Hofgesellschaft wieder die Lebensgeister.
Dritter Akt:Auroras Hochzeit
Mit großem Prunk lassen der König und die Königin ein Kostümfest ausrichten. Alle geladenen Gäste haben sich als Märchenfiguren verkleidet: Hänsel und Gretel,
Cinderella und ihr Prinz, Herzog Blaubart und seine Prinzessin, Scheherezade und Aladin, Colombine und Harlekin, die Prinzessin und der Froschkönig, die
Prinzessin auf der Erbse und ihr Liebhaber, die Porzellanprinzessin und ihr Mandarin sowie Schneewittchen und die sieben Zwerge. (Je nach der Inszenierung
können es auch andere Märchenfiguren sein, z.B. Rotkäppchen und der Wolf.)
Als das Hochzeitsfest seinem Höhepunkt zustrebt, tanzt das Brautpaar einen großen Pas de deux. Anschließend erteilt die Fliederfee ihrem Schützling und dem
Bräutigam ihren Segen. Von ferne beobachtet grollend Carabosse das Geschehen. Das Böse ist also immer noch nicht aus der Welt verschwunden.
Berühmte Passagen
Einige Teile des Werkes sind besonders bekannt und werden unabhängig vom Stückzusammenhang in Ballettabenden oder im Rahmen von Wettbewerben präsentiert:
'Rosen-Adagio' (Adage à la rose) aus dem 1. Akt
Aurora tanzt mit den vier Prinzen und balanciert dabei in verschiedenen Posen. Das gut 6 Minuten dauernde Stück ist eine große Herausforderung für die Solistin.
Pas de deux des Blauen Vogels und der Prinzessin Florine aus dem 3. Akt
Um das Fliegen und Flattern des Blauen Vogels tänzerisch darzustellen, wurden viele hohe oder battierte Sprünge in die Choreografie eingebaut.
Hochzeits-Pas-de-deux aus dem 3. Akt
Aurora und Désiré tanzen miteinander. Die Variationen der Solisten sind oft Bestandteil von Wettbewerbsprogrammen.
Weitere Choreografien
Eine weitere wichtige Choreografie wurde 1921 von Nikolai Sergejew im Auftrag Sergei Djagilews für eine Neuinszenierung der Ballets Russes in London
geschaffen: The Sleeping Princess war die erste Aufführung in Westeuropa. Für diese Inszenierung wurden schwerwiegende Eingriffe in das Stück vorgenommen
bis hin zum Einbau zusätzlicher, von Igor Strawinski komponierter Musik.
Ebenfalls Sergejew brachte 1939 erneut Petipas Fassung mit dem Vic-Wells Ballet und 1946 mit dem Sadler's Wells Ballet auf die Bühne, jeweils mit Margot
Fonteyn in der Titelrolle. Aufgrund dieser Rückbesinnung gehört Dornröschen heute zum Standardrepertoire der großen Ballettkompanien.
Auf der Grundlage dieses Balletts schuf Marcia Haydée eine zeitgemäßere neue Choreografie, behielt aber das Handlungsgerüst der Urfassung bei. So erlebte das
Werk am 10. Mai 1987 im Großen Haus der Württembergischen Staatstheater in Stuttgart seine Uraufführung. Eine Aufführung (mit Pausen) dauert ca. zweieinhalb
Stunden.
Vladimir Malakhov wagte mit dem Staatsballett Berlin 2005 eine Neufassung des Balletts. Wie auch im Märchen bestimmen Feen die Interpretation. Es ist eine
opulente, farbenfrohe Neuinszenierung geworden, zu sehen in der Deutschen Oper Berlin.
Eine weitere Bearbeitung des Stoffes für Ballett stammt von Jean-Pierre Aumers nach der Musik von Ferdinand Hérold, die 1829 in Paris uraufgeführt wurde.
'잠자는 숲속의 미녀'는 샤를 페로의 동화를 차이코프스키의 음악과 함께 각색한 발레다. 1890년 1월 15일 셍페테스부르크의 마진스키 극장에서 마리우스 페티파의 안무로 초연되었다. 오늘날까지 '잠자는 숲속의 미녀'는 가장 인기있는 발레 중의 하나이고, 전세계 클래식 발레 스탠다드 레퍼토리 중 하나에 속한다. 차이코프스키 스스로도 그가의 발레(곡?)들 중 최고로 쳤다.
이야기는 대부분 샤를 페로의 1696년 작, 동화 '잠자는 숲속의 공주'에 기반하고 있다. 3막이라는 구성과 극을 마무리하는 디베르티스망(줄거리와 상관없이 볼거리로 삽입하는 춤)은 19세기의 전형적인 취향에 기인한다. 줄거리는 독일에 널리 알려진 그림형제의 버젼과는 좀 차이가 있다.
프롤로그: 오로라의 세례식
국왕부부는 그들의 간절한 소망이 이루어지기까지 오랜 시간 기다려야만 했다: 아이의 탄생! 그들은 딸의 이름을 오로라라고 지었고, 오늘 이 아기는 세례를 받게될 터다. 축제연에는 궁의 사람들 외에도 여섯 요정이 초대되었다. 그들은 공주에게 선물을 가져왔고, 은총을 내려주었다. 놀랍게도 갑자기 천둥, 번개가 치며 주위가 어두워진다. 갑자기 늙고 남루한 요정 카라보스가 연회장에 나타나, 초대를 받지 못한 사실에 분노하며, 아이에게 저주를 퍼붓는다. 오로라의 16살 생일날 물레바늘에 찔려 죽게될 것이라는 것이었다. 연회장의 사람들은 충격을 받는다. 행운을 가져다 주는 요정인, 라일락의 요정은 이 저주를 거둘수는 없지만, 어느정도 약화시킬 수는 있었다: 오로라는 죽지는 않을테지만, 100년의 잠에 빠지게 되고, 한 왕자가 그녀에게 입맞춤을 하면, 그녀는 다시 깨어나게 된다는 것이었다.
그 사이 장면에서는 오로라가 성장하고, 착한 라일락 요정이 항상 지켜본다. 그렇지만 카라보스도 역시 공주에게서 눈길을 거두지 않고, 저주가 실현될 날만을 기다린다.
1막: 오로라의 생일
공주는 16살 생일파티를 맞는다. 손님들 중에는 그녀의 손을 잡아보기를 원하는 네 젊은 왕자들도 있다. 세례날과 마찬가지로 오로라는 다시 수많은 선물들을 받는다. 장미 꽃다발을 보고 그녀는 특히 더 기뻐한다. 그것은 카라보스의 선물이지만, 공주는 그 사실을 알리없다. 순식간에 외마디 비명이 터져나오고, 그녀는 바닥에 죽은듯이 쓰러진다. 카라보스는 꽃다발 속에 물레바늘을 숨겨놓았고, 이 바늘에 소녀는 찔렸다. 사악한 요정은 그의 저주가 실현된 것에 매우 만족해한다. 그렇지만 착한 라일락요정은 성안의 모든 사람들이 동시에 깊은 잠에 빠지도록 마법을 건다.
2막: 사냥 장면, 데지리 왕자의 환영과 오로라가 깨어남.
그 사이 100년이라는 세월이 흘렀다. 마법에 걸린 성에서 멀지 않은 곳에서 데지리 왕자가 이끄는 왕실의 사냥이 열리고 있다. 젊은 사람들은 여러가지 놀이로 시간을 떼우고 있다. 갑자기 라일락 요정이 나타나 왕자에게 다가간다. 그녀는 마법으로 그에게 오로라의 모습을 보여준다. 매우 놀란 왕자는 이 사랑스러운 소녀에 대해 더 알고 싶다고 하고, 라일락 요정은 그에게 그녀를 따르라고 명한다; 그러면 그는 오늘 행운을 잡게 될 것이다. 깊이 잠든 미녀를 본 데지리의 심장은 더 빠르게 뛰기 시작한다. 조심스럽게 그는 그녀의 머리를 들어올리고, 오로라의 입술에 뜨거운 입맞춤을 퍼부었다. 갑자기 그녀뿐만 아니라 성안에 있던 모든 사람들이 다시 깨어난다.
3막: 오로라의 결혼식
국왕 부부는 화려한 가장무도회를 연다. 초대받은 모든 손님들은 동화속 인물들로 분장을 했다: 헨젤과 그레텔, 신데렐라와 그녀의 왕자, 푸른 수염과 그의 공주들, 세헤라자드와 알라딘, 남녀 어릿광대, 개구리 왕자와 공주, 완두콩 공주와 그녀의 연인 , 도자기 공주와 그녀의 수행관료, 백설공주와 일곱난장이 (연출에 따라 다른 동화속 인물들이 등장하기도 한다. 예를 들면 빨간망토와 늑대) 결혼식 연회의 분위기가 무르익을 무렵, 주인공 한쌍이 파드되를 춘다. 마지막으로 라일락요정이 그녀가 보호하는 신부와 신랑에게 축복을 내린다. 멀리서 카르보스가 으르렁대며 지켜보고 있다. 사악한 존재는 여전히 세상에서 사라지지 않고 남아있다.
유명한 춤들
작품의 일부분들은 특히 유명해서, 작품의 맥락과 상관없이 발레 갈라쇼나 콩쿨에서 공연되기도 한다:
1막 '장미-아다지오': 오로라는 네 왕자들과 춤을 추는데, 그 과정에 다양한 포즈를 취하며 균형을 유지한다. 거의 6분에 달하는 이 춤은 솔리스트에게 막중한 과제이다.
3막 파랑새와 플로리네 공주의 파드되: 파랑새의 날아오름과 푸드덕댐을 춤으로 표현하기 위해 높은 점프들이 안무에 삽입되어 있다.
3막 결혼식의 파드되: 오로라와 데지리가 함께 춤춘다. 솔리스트 변형은 자주 콩쿨 프로그램에 등장한다.
또다른 안무들
그 밖에 중요한 안무는 세르게이 디겔뤼슈의 주문에 따라 1921년 니콜라이 세르게이 런던 공연을 위해 재구성한 안무다: '잠자는 공주'는 서유럽에서의 첫번째 공연이었다. 이 공연에는 이고르 스트라빈스키가 작곡한 음악이 추가될만큼 대대적인 수정이 있었다. 세르게이는 페티파의 각색을 1939년 빅-웰스 발레단, 1946년 새들러 웰스 발레단과 함께 새로이 무대에 올렸는데, 두 공연 모두 마고 폰테인이 주인공을 맡았었다. 이 때문에 '잠자는 숲속의 미녀'는 오늘날까지 대규모 발레단들의 스탠더드 레퍼토리가 되었다.
이러한 기반에 마르시야 하이데는 시대에 맞는 새로운 안무를 창조해냈지만, 줄거리는 기존의 틀을 유지했다. 1987년 5월 10일 슈트트가르트의 뷔템베르크 주립극장에서 이 작품은 초연되었다. (휴식시간을 포함) 총 공연시간 대략 2시간 30분.
블라디미르 말라코프는 2005년 베를린 주립발레단을 위해 새로운 각색을 시도했는데, 동화에서처럼, 요정들이 해석을 주도한다. 화려하고 다채로운 빛깔의 새 버전은 베를린의 독일 오페라하우스에서 볼 수 있다.
소재를 발레화 한 다른 작업은 페르디난드 헤롤드의 곡으로 장-피에르 오머가 각색한 공연이 있는데, 1829년에 파리에서 초연되었었다.
