Schubert Quintett für Streicher C-Dur D 956 (op. 163)
+0. 슈트트가르트 궁에서의 비발디 공연 후 현악중주의 매력에 빠져서...괜찮은 현악 콘서트를 기웃대던중...낯익은 이름하나 발견...
아드리안 브렌델...알프레드 브렌델의 아들...첼리스트라던 그???
그 이름이 너무 반가워서 다짜고짜 표를 끊었다...
사실 헨쉘...이 사람들이 누군지는 관심도 없었다...
그랬어도 그렇지!!!
+1. 하이든의 곡을 들으며...
끊임없이 튀어오르며, 협주와 어울리지 못하는 바이올린 소리가 거슬려서...생각했다...
'끌끌...아...실내악에서 바이올린이 별로인 건...밴드에서 보컬이 노래 못하는 거랑 마찬가진데...'
+2. 슐호프의 곡...처음 들어보는 작곡가의 처음 들어보는 곡이라고 생각했었는데...
전에 베를린 필하모니에서 한번 들어봤던 곡인듯하다...
그런데...역시 들어본 곡을 들으니 비교가 확실히 된다...
불협화음이 이어지는 듯하지만 세련된 곡인데...
불협화음이 확실히 불협하게 연주되었다...
이번에는 바이올린뿐만 아니라 비올라와 첼로도 정신 튀어올라서...
'아...바이올린만 별로인게 아니라...비올라와 첼로도 별로구나...'
그녀는 그들이 이런 곡들을 주로 연주해서...하이든 곡도 그렇게 거칠게 연주했구나라고...이해가 되었단다...
어...클래식 레퍼토리도 많은 거 같았는데...
+3. 2부 슈베르트의 곡...이번 곡은 티켓파워의 주인공 아드리안 브렌델까지 낀 5중주다...
그렇게 와일드한 슈베르트는 처음이었다...
바이올린은 말그대로 낑깡이가 되어 더 시끄러웠고...
콘서트 장까지 가서...나름 내 귀에서 고음부만 분리해서 소리를 줄이고...
정면으로 보이는 첼로 연주만을 따라서 곡을 듣는 신기한 경험을 했다...
'아...아드리안 브렌델도 솔로 활동을 할 수 없는 사람이구나...'
굳이 고음에 신경을 나름 끄고 듣는데도...나중에는 쨍쨍되는 소리에 좀 힘이 들었다...
콘서트에서 앉아있는 것이 이렇게 힘든 일일수도 있다니...
+4. 공연이 끝났다...
'Wunderbar!!!' 'BRAVO!!!'
이거는 또 도대체 무슨 시츄에이션이라냐???
우리 듣는 귀 없음???
+5. 두번 다시 모짜르트 홀에서 하는 공연은 보지 않기로 했다...
그냥 앞으로는 쭉...마이스터콘제르트로...
* 위키페디아를 찾아봤더니...확실히 현대곡을 중심으로 연주하는 그룹이다...
그녀의 추측이 맞았던 듯...
새로운 시도도 좋지만...일단 기본부터...
Das Henschel Quartett ist ein deutsches Streichquartett, das seit 1994 existiert. Es besteht aus den beiden Geschwistern Christoph Henschel (Violine) und Monika Henschel (Viola), dem Cellisten Mathias Beyer-Karlshøj und dem Geiger Daniel Bell, der im Jahr 2011 an die Stelle von Markus Henschel trat.
Ausbildung
Ihre Ausbildung erhielten Christoph, Markus und Monika Henschel durch Felix Andrievsky, Vertreter der Moskauer Violinschule (Yampolsky/Yuri Yankelevich),
ergänzt durch Begegnungen mit Max Rostal, und erlangten 1988 ihr Diplom am Royal College of Music in London. Mathias Beyer-Karlshøj studierte bei dem
schwedischen Cellisten Thorleif Thedeen und erhielt sein Diplom 1996 vom Kongelige Danske Musikkonservatorium in Kopenhagen. Ein intensiver musikalischer
Austausch fand zudem mit Sergiu Celibidache statt sowie mit Franz Beyer von der Musikhochschule München. Für die musikalische Entwicklung als Ensemble
waren vor allem die Londoner Meisterklassen und das Gaststudium an der Musikhochschule Köln beim Amadeus-Quartett richtungsweisend. Regelmäßige Kurse
bei Mitgliedern der Quartette LaSalle und Alban Berg übten ebenfalls einen starken Einfluss auf das Henschel Quartett aus. 1994 war das Ensemble „Quartet-in-
Residence“ des Aldeburgh Festival und 1995/96 des Tanglewood Music Festival. Dort vermittelten die Musikerlegenden Louis Krasner und Eugene Lehner, die
selbst mit Komponisten wie Béla Bartók oder Arnold Schönberg gearbeitet haben, dem jungen Quartett unmittelbare Einsichten in die Werke der Neuen Wiener
Schule. Daniel Bell war Mitglied des Petersen Quartetts und der Berliner Philharmoniker, bevor er im Jahr 2011 dem Henschel Quartett beitrat.
Repertoire und Uraufführungen
Das Repertoire des Henschel Quartetts umfasst mehr als 200 Werke aus Klassik und Romantik, aus dem 20. Jahrhundert und der zeitgenössischen Musik. Das
Quartett hat Werke vieler zeitgenössischer Komponisten uraufgeführt, von Günter Bialas bis Manfred Trojahn und spielte auch Uraufführungen wiederentdeckter
Werke berühmter Komponisten der Vergangenheit:
2006: konzertante Uraufführung von Sergiu Celibidaches „Taschengarten“ im Münchner Herkulessaal zusammen mit der Jungen Münchner Philharmonie
2007: Uraufführung eines Streichquartettsatzes von Carl Orff im Carl-Orff-Zentrum, München
2008: Uraufführung des zweiten Streichquintetts von Max Bruch in der Wigmore Hall in London
Auszeichnungen und wichtige Stationen
1995 gewann das Henschel Quartett 5 Preise bei internationalen Wettbewerben in Evian, Banff und Salzburg für die besten Interpretationen von Mozart bis zu
zeitgenössischen Werken. Zudem fand im selben Jahr die erste Japantournee gemeinsam mit den Mitgliedern des Amadeus-Quartetts als „Ensemble Amadeus“
statt.
1996 erhielt das Quartett den 1. Preis und die Goldmedaille beim Internationalen Streichquartettwettbewerb in Osaka.
2001 gelang der internationale Durchbruch als Einspringer für das Juilliard String Quartet in Londons Wigmore Hall.
2002 spielte das Henschel Quartett den ersten Beethoven Gesamtzyklus an 6 Abenden in Kopenhagen/Tivoli.
2007 war das Quartett Kulturbotschafter Deutschlands bei der Jubiläumsfeier des Europalia Festivals in Brüssel.
CD-Einspielungen
Für seine CD-Aufnahmen klassischen/romantischen Repertoires bei SONY BMG, bei der EMI und der Deutschen Grammophon erhielt das Henschel Quartett
zahlreiche Preise, Nominierungen und Auszeichnungen, u. a.:
Preis der Deutschen Schallplattenkritik
Midem Cannes
CD des Jahres der Neuen Musikzeitung nmz
Bei dem 2007 gegründeten CD Label NEOS Music hat das Ensemble Werke des 20. Jahrhunderts und zeitgenössische Musik eingespielt, u.a. von Derek Smith, Earl Reisdorff, Andy Evans und Roland Fudge (BBC Music Magazine Kompositionswettbewerb für Laienkomponisten, 2008).
Unterrichtstätigkeit und gesellschaftliches Engagement
Seit 1998 unterrichtet das Henschel Quartett und gibt regelmäßig Meisterklassen an Universitäten und Musikfakultäten, unter anderem am MIT in Boston (USA),
am Dartington College of Arts (Großbritannien) und an der University of Melbourne (Australien).
Zudem engagiert sich das Henschel Quartett für den gegenseitigen Austausch mit anderen Ensembles und setzt sich dafür ein, in der Kammermusik neue
Trägerstrukturen zu schaffen. Seit 1997 lädt das Quartett jedes Jahr ein neues Kollegenensemble zum eigenen Streicherfestival in das Kloster Seligenstadt ein.
Von Beginn an setzte sich das Quartett für Kinder und Jugendliche ein. Die gemeinnützige Organisation „Freunde des Henschel Quartetts zur Förderung der
Kammermusik“ widmet sich seit 2001 der Jugendförderung, aber auch der Öffnung und Erweiterung der Kammermusikszene. Als Botschafter für SOS Kinderdorf
engagiert sich das Henschel Quartett mit Kinder- und Jugendworkshops, Konzerten und einer CD-Einspielung zugunsten der SOS Kinderdörfer.
헨쉘 4중주단은 1994년 결성된 독일의 현악4중주단이다. 남매 지간인 크리스토프 헨쉘(바이올린), 모니카 헨쉘(비올라), 마티아스 바이어-칼스하이(첼로), 그리고 다니엘 벨(바이올린)으로 구성되어 있다. 다니엘 벨은 2011년부터 마르쿠스 헨쉘의 자리를 대신하고 있다.
교육과정
모스크바 바이올린 학교의 대표인 펠릭스 안드레프스키가 크리스토프와 모니카의 스승이었고, 후에 막스 로스탈을 만나, 1988년 런던 왕립 음악학교에서 디플롬을 받았다. 마티아스 바이어-칼스하이는 스웨덴의 첼리스트 쏠레이프 쎄덴 밑에서 공부했고, 1996년 코펜하겐의 덴마크 왕립 음악학교에서 디플롬을 받았다. 세르주 첼리비다케와 뮌헨 음대의 프란츠 바이어와의 집중적인 음악적 교류도 있었다. 앙상블로서의 음악적 발전은 무엇보다도 런던의 마스터클래스와 쾰른 음대의 교환학생 과정에 아마데우스 4중주단의 영향이 결정적이었다. '라잘레와 알반 베르크 4중주단' 멤버들의 정기적인 수업도 역시 이들에게 강한 영향을 끼쳤다. 1994년 이 앙상블팀은 알데부르크 페스티벌, 1995/96년의 탱엘우드 음악 페스티벌의 '레지던스 4중주단'이 되었다.그곳에서 한때 벨라 바톡과 아르놀트 쉔베르크와 작업하기도 했었던, 음악계의 전설 루이 크래스너와 유진 레너는 이 젊은 4중주단에게 Neue Wiener Schule(20세기 초 쉔베르크를 중심으로한 작곡가 그룹) 작품들에 대한 통찰력을 ㅈ제공했다. 다니엘 벨은 2011년, 헨쉘 4중주단의 멤버가 되기 전까지, 페터슨 4중주단과 베를린 필하모니의 단원이었다.
레퍼토리와 초연
헨쉘 4중주단의 레퍼토리는 클래식과 로맨틱, 20세기와 현대음악을 막라해 200여곡에 이른다. 이 4중주단은 귄터 비알라스, 만프레드 트로이안 등 현대 작곡가들의 곡들은 초연하기도 했고, 한편 과거 유명 작곡가들의 곡들은 재발견해 초연하기도 했다.
2006: 세르주 첼리비다케의 '주머니정원들'의 콘서트 초연. 뮌헨 헤라클레스홀. 청년 뮌헨 필하모니와의 협연
2007: 카를 오프의 현악 중주 초연. 카를 오프 센터, 뮌헨.
2008: 막스 부르흐의 두번째 현악오중주 초연. 위그모어 홀, 런던.
수상과 주요 공연
1995: 에비앙, 만프, 짤쯔부르크 국제 콩쿨, 모짜르트부터 현대곡들에 대한 최고 해석으로 5등 수상. 같은해 아마데우스 4중주단과 함께 '아마데우스 앙상블'로 일본 투어.
1996: 오사카의 국제 현악 콩쿨에서 1등과 금메달 수상.
2001: 런던 비그모어 홀에서 줄리어드 현악4중주단의 대타로 국제무대 대뷔.
2002: 코펜하겐과 티볼리에서 6일에 걸쳐 베토벤의 전곡을 처음으로 연주.
2007: 브뤼셀 유로펠리아 페스티벌의 기념행사에서 독일 문화대사로 참여.
음반 녹음
Für seine CD-Aufnahmen klassischen/romantischen Repertoires bei SONY BMG, bei der EMI und der Deutschen Grammophon erhielt das Henschel Quartett zahlreiche Preise, Nominierungen und Auszeichnungen, u. a.:
독일 레코드 크리틱 상
Midem(깐느에서 매년 열리는 음악 박람회) Cannes
nmz (새 음악 신문) 올해의 CD
2007년 설립된 CD레이블 네오스 뮤직에서 20세기와 현대곡들을 녹음했다. 데렉 스미스, 얼 라이스도르프, 앤디 에반스, 롤랜드 푸지 등의 곡들.(2008년, BBC 음악 매거진 아마추어 작곡가들을 위한 작곡콩쿨)
교육과 사회적 참여
1998년부터 정기적으로 미국 보스턴 MIT나 영국 다팅턴 예술대학, 호주 멜버른 대학 등의 음악과에서 마스터클래스를 열고 있다. 그밖에도 그들은 다른 앙상블과의 활발한 교류를 추구하고, 실내악에 새로운 시스템을 구축하고자 시도하고 있다. 1997년부터 자일겐슈타트의 수도원에서 매년 현악페스티벌을 주최하며, 새로운 앙상블 연주자들을 초대하고 있다. 그들은 초기부터 어린이와 청소년들을 위한 프로그램에 관심을 두었고, '실내악 진흥을 위한 헨쉘 4중주단의 친구들'이라는 자선단체를 조직해 2001년 부터 청소년들 후원과 실내악의 연주와 확대를 위해 힘쓰고 있다. 'SOS 어린이마을'의 대사로서 헨쉘 4중주단은 어린이와 청소년들을 대상으로한 워크샵, 콘서트, 음반작업을 진행하고 수익금을 'SOS 어린이마을'에 기부하고 있다.
Im vergangenen Festival-Sommer hatte Alfred Brendel, der umsichtige Nestor der Klaviervirtuosen, das Publikum mit seiner beispielhaften Lesart der Trias
Haydn - Mozart - Schubert begeistert. Nun Komplettiert er den Kanon der Wiener Klassiker durch den diesjährigen Bonner Jahresregenten Ludwig van
Beethoven.
Wie kaum einer kennt und interpretiert Alfred Brendel die Klavierlitratur über vier Jahrhunderte von Bach bis Schönberg. Der 1931 geborene Pianist entstammt
einer österreichisch-deutsch-italienischen-slawenischen Familie. Er studierte Klavier, Komposition und Dirigieren in Zagreb und Graz und begann seine
internationale Karriere mit einem Preis beim Busoni-Wettbewerb 1949. Regelmäßig ist Alfred Brendel seither Gast in den Konzertsälen von New York, London,
Paris, Wien, Berlin und Tokyo sowie der führenden europäischen und amerikanischen Orchester. In den letzten Jahren gehörten Mozarts Sonaten und
Beethovens Cellowerk(mit seinem Sohn Adrian) zu Brendels Repertoire in Konzerten und Aufnahmen, ebenso Schuberts 'Winterreise' und 'Schwanengesang'
mit Matthias Görne. Auch als Schriftsteller hat sich Alfred Brendel einen Namen gemacht. Seine musikalischen Essays sind bei Piper, seine oft verschmitzten
und wunderbar skurrilen Gedichte bei Hanser erschienen. Alfred Brendel ist Ehrendoktor unter anderem an den Universitäten von London, Oxford und Yale. Er
ist Ehrenmitglied der Wiener Philharmoniker und Träger der Hans von Bülow-Medaillee der Berlinder Philharmoiker. Im Har 2002 wurde ihm der Leonie-Sonnig-
Preis, 2004 der Ernst von Siemens Musikpreis verliehen. Zudem ist der Künstler seit 2006 Preisträger des Klavier-Festivals Ruhr.
지난 페스티벌에서 피아노계의 현자이자, 원로 거장 알프레드 브렌델은 하이든, 모짜르트, 슈베르트를 정석으로 해석하여 관객들을 감동시켰다. 올해 그는 이번 페스티벌의 마이스터인 본 출신의 거장 베토벤을 포함시켜 비엔나 클래식의 캐논을 완성한다.
알프레드 브렌들은 바흐부터 쉔베르크까지 4세기에 걸친 '피아노 문학'을 이해하고 해석하는 몇 안되는 피아니스트 중 한명이다. 1931년 생인 이 피아니스트는 오스트리아계-독일계-이탈리아계-슬로베니아계 가정에서 자랐다. 그는 짜그렙과 그라쯔에서 피아노와 작곡과 지휘를 공부하였고, 1949년 부조니 콩쿨에서 수상하면서 국제적 경력을 쌓기 시작했다. 그 이후로 그는 뉴욕, 런던, 파리, 베를린, 도쿄 등지의 콘서트 홀에서 유럽과 미국의 유명 오케스트라와 정기적으로 협연을 해오고 있다. 최근에는 모짜르트의 소나타와 첼리스트인 그의 아들 아드리안과 협연하는 베토벤 첼로곡들이 콘서트와 공연에서의 주레퍼토리다. 마티아스 괴르네와 슈베르트의 '겨울나그네'와 '백조의 노래'도 자주 공연하고 있다. 그는 한편 작가로도 꽤 유명한데, Piper 출판사에서 음악 에세이들을, Hanser 출판사에서 위트 넘치는 시들을 발간하기도 했다. 알프레드는 런던, 옥스포드 예일 등의 대학의 명예교수이고, 동시에 빈필의 명예회원이며 베를린 필의 한스 폰 뷜로우 메달의 수상자이다. 2002년에는 레오니-조니히 상을, 2004년에는 에른스트 본 지멘스 음악상을 수상했다. 2006년 이후로 '루르 피아노 페스티벌'의 연속 수상자이기도 하다.
[#M_HAYDN|haydn|
Joseph Haydn, väterlicher Freund und Bewunderer Wolfgang Amadeus Mozarts, Lehrer und Mentor Ludwig van Beethovens sowie später zunächst Franz Schubert
ein Vorbild, adelte durch seine zahlreiche Klaviersonaten dieses Genre mit einer Vollendung in Form und musikalischen Gehalt. Es brachte damit fas zum
Abschluss, wovon aus seine Nachfahren dann zu neuen Ufern auf- und ausbrechen sollten. Im Jahr 1780 publizierte Haydn eine sechs Sonaten umfassende
Sammlung, die den Schwestern Auenbrugger gewidmet war, Töchtern eines renommierten Wiener Arztes und Wissenschaftlers, deren Spiel wie Urteil er
außerordentlich schätzte. Von den sechs Werken nimmt die c-Moll Sonate eine Sonderstellung ein, da sie bereits 1771 entstanden sein dürfte und mit ihr Haydns
Sturm-und-Drang-Phase auszuklingt. Bisweilen durchflutet von expressiver Klanglichkeit tritt die Klassizität der Form in den Hintergrund. Haydn spielt mit fast
orchestralen Effekten und nimmt sich die Freiheit, im Finale das Rondo vom Sonatensatz zu überlagern.
요셉 하이든, 볼프강 아마데우스 모짜르트 아버지의 친구이자 그의 재능을 알아본 사람, 루드비히 반 베토벤의 스승이자 멘토, 그리고 이후에는 프란쯔 슈베르트의 우상.
하이든은 그의 수많은 피아노 소나타를 통해 이 장르의 음악적 형식과 수준을 완성했다. 그로 인해, 그의 후예들은 새로운 분야를 개척해야만 했다. 1780년 하이든은 빈의 유명한 의사이자 학자인 아우엔부르거의 딸들을 위한 6개의 소나타 모음집을 발표했다. (당시의) 평은 물론이고 그 스스로도 이 곡들의 연주를 특별하게 여겼다. 여섯곡들 중에서 C단조 소나타는 특별한 의미를 지닌다. 이 곡은 1771년에 이미 작곡된 곡일 수도 있고, 하이든의 질풍노도시기를 엿볼수 있기 때문이다. Bisweilen durchflutet von expressiver Klanglichkeit tritt die Klassizität der Form in den Hintergrund. 하이든은 거의 오케스트라와 같은 효과로 연주하고, 자유롭게 소나타 마지막 악장에 론도를 사용했다.
Freiheiten hatten sich Ludwig van Beethoven grundsätzlich immer herausgenommen. Seine drei Sätze umfassende As-Dur Sonate op.110 ist dabei Ausdruck
radikaler Subjektivität-und gleichzeitig doch eine Auseinandersetzung mit der strengsten aller Formen, der Fuge. Als mittlere der unmittelbar aufeinander
folgenden(teilweise gleichzeitig zur Zeit der Missa solemnis im Jahr 1882 entstandenen) drei letzten Sonaten, erklingt dieses klagende und die Klage doch
überwindende Werk wie ein Nachhören von Vergangenem und Voraustönen von Zukünftigem. Privat schmerzten den Komponisten rheumatisches Fieber und die
Gelbsucht, und es ist vermutet worden, dass die Vermerke "perdendo le forze, dolente" und "poi a poi di nuovo vivente" in Aioso und Fuge biografische
Spiegelungen sein mochten. Alle drei Sätze zusammen lassen auch an einen fragmentierten, doch einzigen denken, ist doch auch das Subjekt der Fuge der
Eröffnung des ersten Satzes entnommen; und hat man doch den Eindruck, von Anfang bis Ende einen Weg bis ans sein Ziel gegangen zu sein.
베토벤에게 있어서 자유는 항상 근본적으로 배제되었다. 3악장으로 구성된 그의 As장조 소나타, op.110번은 극단적인 주관성을 표현하기도 하지만, 동시에 가장 엄격한 형식인 푸가를 구현하고 있기도 하다. 연달아 작곡된 (부분적으로 1882년 Missa solemnis와 같은 시기에 작곡된) 마지막 세 소나타 중 가운데 곡으로서, 탄식과 비탄하는 듯한 울림은 지난 시대의 여운 같기도 하고, 미래의 소리를 미리 듣는 것같은 느낌을 던지는 압도적인 작품이 되었다. 베토벤은 류마티스성 열병과 황달을 앓았는데, Arioso와 푸가에 쓰여진 "perdendo le forze, dolente" , "poi a poi di nuovo vivente" 같은 문구들은 작가의 삶을 투영한 것일 지도 모른다. 세 악장은 완성된 하나이지만 동시에 각각으로 나눌 수도 있다. 그렇지만 여기서 기억해야 할 한가지는 푸가의 주제가 첫악장의 초반부에서는 제거되었다는 점이다. 그리고 처음부터 끝까지 한 길로 목표지점을 향해 나아갔다는 인상을 남긴다.
An einem Ziel ist Franz Schubert, der ewige Wanderer unter den Komponisten, nie angekommen. Seine vier Impromptus D 935 werden zusammen immer wieder
als Quasi-Sonate angesehen. Dennoch bleibt jedes von ihnen ein eigenständiges Klavierstück. Das erste in f-Moll ist von fast sinfonischer Gestalt und gilt als
Meisterwerk der Schubertschen Spätzeit. Das dritte in B-Dur stellt ein bekanntes Thema aus Schuberts Rosamunde fantasiereich in immer weider neuen
Variationen dar.
작곡자로서 영원한 방랑자인, 프란쯔 슈베르트는 단 한번도 종착점에 도착하지 않았다. 그의 4개의 Impromptus D 935는 항상 '사실상 소나타'로 간주된다. 그럼에도 불구하고 각각의 곡들은 독립된 피아노곡으로 존재하기도 한다. 첫번째곡 f 단조는 거의 심포니와 같은 형태를 띠고, 후기 슈베르트 작품의 최고작중 하나로 뽑힌다. 세번째 곡 B 장조는 슈베르트의 '로자문데'의 주제를 풍성하게 반복되는 다양한 변주로 그린다.
